[转]《将古典入门进行到底》上(很长,需要耐心阅读)

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1976年　罗斯特罗波维奇独奏＆圣马丁室内乐团协奏版


１７　海顿的大提琴协奏曲




　　
　　维也纳古典乐派三巨头中最年长的是Franz Joseph Haydn（弗朗兹·约瑟夫·海顿 1732-1809），在他72年的人生历程中为我们留下了数以千计的音乐作品。海顿著有一百多部交响曲、数百部室内乐作品以及其他形式的协奏曲、歌剧以及宗教音乐等。由于海顿的杰出成就，因此被人们誉为“交响曲之父”，同时也是弦乐四重奏的“准发明家”。又因为其作品往往透着一种长者风范——醇厚、温和而幽默，所以人们喜欢尊称他为“海顿爸爸（Papa Haydn）”。
　　
　　对于海顿而言，他漫长的一生经历了相当多的坎坷。这位天生拥有美妙嗓音的农家子弟因为与生俱来的兴趣爱好，而与音乐结下了不解之缘，并为之奋斗了数十年。关于作曲家传奇的一生，三言两语是很难说清的，幸好我们在网上找到了有关的文献，将以“海顿的一生”为标题进行连载，以便大家更好地了解海顿。在我们即将开始的专题中，我们将为您着重介绍海顿104部编号交响曲中不同时期的代表作以及著名的协奏曲作品。正如我们前面所讲过的，海顿音乐中那种宽广、温和、幽默的风格是非常容易被入门听众所接受的。但如果您要问，初听海顿先听他的哪一部作品？那么我会毫不犹豫地告诉你——C大调第一大提琴协奏曲。
　　
　　我是在一个非常偶然的机会第一次接触这部作品的。记得那天在单位值夜班，习惯性的打开收音机，一股清新、流畅而跃动的旋律徐徐从小喇叭中流出，虽然收音机的音质非常差，但音乐中大提琴低沉、醇厚的音色却依然令我十分感动。一时间屋子的空气中充满着古典主义的风韵，跳跃而略带幽默色彩。一曲终了，简直令我如痴如醉，心里不断揣测着这该是谁写的曼妙乐谱。此时传来电台主持人的介绍：“刚才大家听到的是海顿的C大调第一大提琴协奏曲……”。当时自己只听过海顿著名的交响曲作品，没想到他的大提琴协奏曲却如此令人着迷。第二天，我顾不得疲惫，几乎跑遍了上海所有的古典唱片行，终于买到了录有这部作品的唱片，此后又孜孜不倦地收集了许多不同版本的演绎。而这部大提琴协奏曲至今依然令我百听不厌，就在撰写这篇文章的时候，耳边回响的依然是这熟悉却依然令人喜悦的旋律。
　　
　　海顿一生著有多少部大提琴协奏曲？根据《音乐圣经》上的介绍：在A·V·霍伯肯1979年编辑的《海顿作品目录》中有关条目的解释，应该有五部，另一部无法辨别真伪。在这五部作品中第三号乐谱情况不明，第四和第五号也没有足够的资料能够证明是海顿的作品。而在海顿1809年委托别人编撰的作品目录中也没有标出这些无从考证的大提琴协奏曲，所以能够确认的只有第一号（C大调 编号：Hob.VIIb-1）和第二号（D大调 编号：Hob.VIIb-2）。顺便提一下，海顿作品的编号非常奇怪，其实前缀“Hob.”正是《海顿作品目录》的编者A·V·霍伯姓氏的简写，后面的数字部分则按照不同的曲式分门别类并进行编号。
　　
　　言归正传，在这硕果仅存的两部大提琴协奏曲中，《C大调第一号协奏曲》直到50多年前才被世人所发掘。这部珍贵的作品在贵族文库与图书馆中足足埋没了将近二百年之久。直到1961年，捷克音乐学者蒲尔克特才在布拉格国立图书馆发现了海顿时期的手抄分谱，之后由科隆的海顿研究所学术主任费达透过谱纸的水印判断，认定此谱为可信度极高的手抄谱，同时进一步确认此曲谱就是海顿所作的大提琴协奏曲。最终于1962年5月19号的布拉格之春音乐节进行了发掘之后的首次演出，引起极大轰动。这部《第一大提琴协奏曲》作于1765-1767年之间，当时正在艾斯特哈萨城堡供职的海顿正是三十多岁风华正茂的年纪，并且刚刚成为尼古拉亲王艾斯特哈吉宫廷乐队的乐长。因此，这部协奏曲既带有青年海顿明快、优雅、幽默的风格特征，在艺术上也是比较成熟的。同代人莫扎特和贝多芬都没有写过大提琴协奏曲，所以海顿的这部作品堪称当时大提琴协奏曲中的代表作品。
　　
　　说到这里不妨再谈谈大提琴这件乐器。大提琴最初在意大利语中被拼作Violoncello，后来逐渐简写为Cello。其历史可以追溯到16世纪末，它是由一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”的15世纪乐器演变而来。维奥尔琴的体积不像大提琴那么大，弧形也不那么明显，但演奏时可以夹在两膝之间，像大提琴那样用弓拉奏。我们可以在许多巴洛克作品中听到它的声音，譬如曾经为您介绍过的巴赫《勃兰登堡协奏曲第六号》，其中的主奏乐器就是维奥尔琴。随着时间的推移，到了18世纪的古典主义时期，大提琴已经与我们现在看到的样子差不太多了。大提琴以其热烈而丰富的音色著称，是交响乐队中最常见的乐器之一，并适合扮演各种角色。其音色浑厚、丰满而温暖，具有醇厚的格调、开朗的性格，擅长演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的感情。相比我们所熟悉的小提琴，大提琴更加“男性化”一些。它有时加入低音阵营，在低声部发出沉重的叹息；有时则以中间两根弦起到节奏中坚的作用。而大提琴最为辉煌的时刻，要数作曲家赋予其表现如歌的旋律的使命。整个大提琴组奏出的美妙的旋律，足以令交响乐队中的任何其他乐器都相形见绌。在西洋古典音乐发展史上，以大提琴为中心的乐队协奏曲与小提琴协奏曲相比，总体数量要少得多，只有博凯利尼、德沃夏克、圣桑、舒曼、埃尔加和海顿等少数著名作曲家写过。而这其中以海顿的“C大调”与德沃夏克那部无与伦比的“b小调”为代表，堪称最脍炙人口的大提琴协奏曲。
　　
　　海顿的《C大调第一大提琴协奏曲》，其共分为三个乐章：第一乐章 中板，C大调，3/4拍子。这个乐章为协奏型奏鸣曲形式，不过总奏与主奏形成尖锐对比的手法，反映了复奏形式的痕迹；从单调的伴奏音形中可以感觉到巴洛克的余风。而进入总奏以第一主题开始的绚丽的结尾部终结，充分显示了由巴洛克的复现形式进入古典派奏鸣曲形式的协奏曲过渡期结构。整个乐章节奏舒缓，旋律柔美，大提琴表现出低沉、宽广的个性，与作品的整体风格融为一体。第二乐章 慢板，F大调，2/4拍子，三段体。这是由主奏大提琴与弦乐器呈示的静谧而抒情的乐章。乐曲中充满了优雅的旋律美，显示出海顿在旋律剧作上独具的功力。第三乐章 甚快板，C大调，4/4拍子。这个乐章也是协奏型奏鸣曲形式，与保留有巴洛克余风的第一乐章采用几乎相同的结构。全曲与巴洛克协奏曲同样，总奏部分总是简洁地呈示主题，主奏大提琴出现的部分发挥了主奏者的技巧。这个乐章的速度非常之快，要让大提琴疾速如飞起来，对于演奏者的功力确实是一个考验。然而最后出来的效果确实可以令听众为之振奋，实在是一种难以言表的愉悦感觉，还是留待大家自己体会吧。
　　
　　相比热情的第一号协奏曲，《D大调第二大提琴协奏曲》并不知名，但却是绝对不能忽略的。这部作品作于1783年，和C大调协奏曲不属于同一时期的作品，在音乐风格上也有相当大的差别。据说这部作品是为海顿当时供职的艾斯特哈吉乐团中著名的大提琴演奏家克拉夫特所写的。整部作品充满着温婉、柔和的气质，显示出海顿温情的一面。
　　
　　这两部大提琴协奏曲的优秀录音不少，比较突出的有罗斯特罗波维奇、马友友、麦斯基、王健等人的版本。我们特别为您转载QY撰写的《海顿C大调大提琴协奏曲之版本比较》，从中大家可以了解这些知名版本不同的艺术风格。

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１８　海顿交响曲概述及其早期作品



　　
　　
　　海顿被誉为“交响曲之父”，可见他在交响曲创作领域不朽的成就，因此在整个海顿专题中，其交响曲作品将占据很大的篇幅。当然，大部分事物的发展都具有渐进性，交响曲同样也不是海顿在一夜之间成就的新概念，而在他之前便经过了漫长的发展。所以在我们全面接触海顿交响曲之前，先花一些时间，来探究一下交响曲的起源以及它缘何能在海顿的笔下发扬光大，然后开始循着作曲家的创作之路，一起来探寻海顿交响曲的魅力。
　　
　　●海顿何以成为交响曲之父？
　　
　　一般而言，学术界认为交响曲起源于序曲以及古典奏鸣曲。其实早在巴洛克时期，当时某些作品中就有交响曲的影子，我们曾经为大家介绍过的亨德尔宗教清唱剧《弥赛亚》中，便有一段著名的《田园交响曲》。从十八世纪开始，交响曲的发展开始进入蓬勃时期，在海顿之前便有许多作曲家写过数量庞大的交响曲，但这些作曲家以及他们的作品如今早已被人们所遗忘，原因自然是因为它们的不成熟。
　　
　　说到这里有必要了解一下“交响曲”一词的概念，在英文中它被称为“symphony”，其实这个词汇来自希腊语“synphone”，意为“一起发出声音”。需要说明的是，在音乐史上各个不同的发展时期，“symphony”一词的用法和概念是有所不同的，当时的称谓也比较混乱。在十七世纪至十八世纪之间，也就是巴洛克时期和古典主义时期更迭的年代，交响曲的概念才随着艺术趋势的发展逐渐明晰化。曾经为大家介绍过的亨德尔《皇家焰火音乐》、《水上音乐》，巴赫的《乐队组曲》等作品，应该算是交响音乐的前身，因为作曲家当时在创作这些作品的时候，已经用较大规模的乐队编制进行配器，这与“synphone”一词“一起发出声音”的解释是吻合的，不过习惯上我们不将这些巴洛克乐队音乐列入交响曲的范畴，因为在它们在结构上还不符合规范或者说与后来者对交响曲的确切定义有一些不同。
　　
　　经过了音乐家们不断的探索、创新，在结构上真正趋于完善的交响曲出现在十八世纪初期，到了十八世纪中叶由我们的主人公海顿加以发展完善，开始逐渐显现出光辉。所以海顿之所以被人们称为“交响曲之父”并非因为他开创了交响曲这一形式，而是因为从他这里开始，交响曲的结构开始趋于完善，并在海顿不懈的努力创作下对后人、同行产生了深远的影响，最终交响曲得以成为一种影响深远的古典曲式结构。也正是从海顿开始，交响曲确定了由四个乐章组成——第一乐章快板、第二乐章慢板，第三乐章为小步舞曲，第四乐章快板。当然这只是当时大多数作品遵循的普遍规范，包括海顿自己在内，早期他也创作过三个或者五个以上乐章的交响曲，并且结构也并不拘泥于上述的顺序。
　　
　　音乐学家们评论海顿，说他并不是一个头脑非常敏捷的作曲家，起码与他同时期的天才莫扎特相比，海顿显得有些迟钝。但是他对音乐却无比忠诚，最终天资更高的莫扎特得以成为广受喜爱的人间音乐天使，而海顿也凭借自己的努力成为一代宗师，用一句成语来说便是“勤能补拙”。实际上，莫扎特、贝多芬这两位后生小辈都从海顿这里吸取了很多基础的音乐养料，然后凭借各自的天赋开创出属于自己的惊人成就。交响曲从海顿这里开始走向成熟，而莫扎特与贝多芬则将之提高到了一个新的高峰，此后的舒伯特、马勒、布鲁克纳、布拉姆斯等人，又沿着前人奋斗的轨迹，写出了一部又一部惊世骇俗的作品。
　　
　　●海顿交响曲以及录音唱片概述
　　
　　海顿一共写了104部有编号的交响曲作品，还有两部以“A”、“B”命名的降B大调交响曲以及一部交响协奏曲。从1757年海顿开始创作第一部交响曲，直至1795年完成最后一部第104号《伦敦交响曲》，在三十多年的创作历程中，其交响曲分为如下几个创作阶段。海顿的《第一交响曲》创作于1757或者1759年，从1761年开始海顿在艾森斯塔特任职，写下了数十首精美的作品，充满着后巴洛克音乐的韵味。接下来是在埃斯泰哈查宫担任乐长时写下的许多交响曲，时值狂飙运动的到来，所以成为海顿创作中一个比较重要的时期。在随后的1775年至1784年间，作曲家则致力于歌剧创作当中，这十年间海顿所创作的交响曲在艺术成就上并没有突破。随后从1785年开始，海顿创作出六首著名的《巴黎交响曲》，这是作曲家应巴黎一位热爱音乐的法国贵族要求写下的传世之作；同时期的88-92号交响曲也属于这一时期的优秀作品。1791年开始海顿开始了伦敦之旅，在随后的几年时间中，他写下了其交响曲创作生涯中的巅峰之作——12首《伦敦交响曲》，其中绝大多数至今依然为广大听众所喜爱。需要说明的是，海顿交响曲的编号是相对混乱的，虽然我们可以按照数字编号的大小，大致了解其创作时间的先后，但并非数字越小创作时间就越早。据个例子，海顿的第31号交响曲创作于1765年，而编号靠后的40交响曲却创作于更早的1763年，大家需要注意这个问题。
　　
　　在艺术风格上，不同时期的海顿交响曲各有特色，但总体而言这些音乐总是令听众愉快的，其篇幅短小、旋律优美、乐思中充满着幽默睿智，这些都与海顿自身性格有很大的关系。海顿是农家子弟，从小信奉的生活信条是“善良勤奋，并不断地侍奉上帝”，他热爱自己的家庭且为人谦和。但同时他也有自己的局限，海顿是一个相对自闭的人，所以他往往不受外界的影响，而专心痴迷于自己的小环境。他曾经这样评价自己：“我与世界隔离，周围没有人扰乱我的工作进程，所以我必然成为独特的。”正因为如此，他没有成为莫扎特那样才华横溢、在音乐上处处逢缘的天使，也没有成为贝多芬式的咆哮者与革命者。总体而言，海顿百余首交响曲涵盖了全方位的音乐风格，最早期的作品属于典型的前古典主义，残存着巴洛克的遗风。到了1770以后，海顿的羽翼渐渐开始丰满，最后的作品呈现实验性，丰富了成熟古典乐派的语汇，他从通俗的民间巧技开始，最终抵达艺术的至高境界。音乐在他笔下，摆脱了宫廷的礼节陈规和轻浮嬉戏，成为一种极具个性的表达——奥地利农夫的表达，热爱生活的表达，大自然多姿多彩的表达，其中蕴藏万花筒般的机智、幽默、欢乐和悲愁。海顿从意大利人那里习得形式圆满的美感，从德国人那里得知对位的奥秘，但他始终是一个技艺熟捻、精通艺术的奥地利农夫。
　　
　　海顿这些动听的交响曲让听众们感到轻松和惬意，几百年以来常演不衰，而数十年来也留下了无数优秀的录音唱片。最著名的当属匈牙利裔著名指挥家多拉蒂在1971年在DECCA公司录制的《海顿交响曲全集（106首）》，可谓规模宏大，发行CD版后全套共计33碟，这是企鹅三星带花的最佳版本。同时DECCA公司近年来又为著名的古乐指挥家Hogerwood（霍格伍德）录制海顿交响曲，这个版本采用仿古乐团，演奏风格严谨，突出逻辑性。另外比较容易买到，且价格较为低廉的则是NAXOS录制的《海顿交响曲全集》，由不同的指挥家担任指挥，演奏中规中矩，录音也非常不错，同样是较好的选择。而同样不能错过的是，科林.戴维斯指挥荷兰皇家音乐会堂管弦乐队指挥12首《伦敦交响曲》，这也是企鹅三星戴花的名演。
　　
　　●海顿的早期交响曲作品
　　
　　海顿在洛可可和善感风格兴盛的前古典时期开始自己的创作生涯，早期交响曲有近三十多首。这些作品写作方式源自于保守的奥国传统，将巴洛克形式融入新起的古典风格，优雅风格的模进音型和重复音型的杂烩，以短小的动机拼凑起来，没有明晰的连续进行感。但是，某些慢乐章中出现了一种具有赞美诗般严肃情怀的音调，海顿凭借同样的南方德奥人的交响本能，耐心地着手将华丽风格微小细碎的动机语言组织成具有因果关系和连续性的交响织体。与莫扎特不同的地方，海顿早期的作品不以意大利歌剧序曲为唯一模式，而是以音乐会交响曲型态出现，也有相当数量以四乐章型态出现，排除了模仿歌剧序曲快-慢-快的习惯，此外法式序曲、教堂奏鸣曲的形式也运用于早期交响曲。海顿偏好C.P.E.巴赫的风格，尤其是他大胆而丰富的钢琴奏鸣曲，在海顿脑海里留下的印象一定非常深刻。这些作品对他是一种启示，因为它们对他的本能疑问给予肯定的回答。海顿在这种音乐看到的，不仅是声部写作从学究式复调的侄恬中得到解放，不仅是人造的乐器移植了抒情舞台上富有表现力的人声，而且还看到了音乐创造的最终目标。
　　
　　学者们把海顿在艾森斯塔特生活的前几年（1761-1765年）划为一个时期，这个时期海顿一共写了如下十几首交响曲，按照创作时间排列如下：No.6、7、8、9、12、13、40、21、22、23、24、28、29、30、31，还有No.14、16、17、36、72这样几首同样诞生在这一时期，只是时间无法确定。
　　
　　在海顿到达艾森斯塔特的第一年，也就是1761年，写作了三首标题性的交响曲，分别被命名为《晨》、《午》、《晚》（编号为No.6-No.8），在这些作品中已经完全使用四乐章，规模也较大。玩笑和意外之笔令我们感到分外亲切，其实在早期作品中已经存在。具有重要意义的是，这些作品仍具有嬉游曲的影响，小型室内乐、舞曲风格仍处处可见。甚至有人说这三部作品是“大协奏曲、嬉游曲、组曲和交响曲之间令人惊讶的组合”，在这些作品中我们还可以听到浓重的巴洛克韵味。
　　
　　1763年的代表作应该是No.13，乐队的规模被进一步扩充了，主要是把法国号的数目增加到四把。乐队规模的加大，也让这部交响曲听起来变得厚重和宏大。1764年，他又以教会奏鸣曲形式的慢乐章为开头写了两部非常精美的作品，其中的No.22《哲学家》更是撼动人心，曲中使用了两支英国管进行独奏。1765年海顿写下了风格迥异的几首交响曲，其中No.29、No.30以及No.31都非常惹人喜爱。No.30标题为《哈里路亚》，它运用了古代复活节哈里路亚格里格圣歌的旋律。而No.31《号角》则是一首非常有趣的“狩猎”交响曲，在这首交响曲当中充满了各个声部高难度的独奏，而且整部作品用法国号催人奋进的声音来作前后呼应，充满着浓郁、温馨、热情的意味，而这也是海顿交响音乐中最为可贵的精神之一。

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第3楼5 １９　传奇之作 “告别”交响曲 　 　　经过了早期创作的经验积累，海顿的交响曲将开始进入一个兴旺的时期，十八世纪七十年代，作曲家写出了一系列惊世骇俗、流芳后世的作品。而第四十五号交响曲“告别（Farewell）”更是其中最具代表性也最具传奇性的名作。在本篇中，我们就为大家详细介绍这部作品创作前后的背景故事。 　　 　　●狂飙运动的到来 　　 　　时间停留在1766年，这时的海顿依然在艾森斯塔特尼古劳斯亲王手下任职。就在这一年老乐长的去世，让时年34岁的青年海顿得以从原本助手的位置升任为整支宫廷乐队的领导者。也就是在这年，尼古劳斯亲王决定建设一座庞大而精美的宫殿——艾斯特哈萨宫（也译作“埃斯泰哈查宫”），其中设有一座专为音乐家们建造的居所，因此这里成为了此后很长一段时间内艾森斯塔特宫廷音乐的活动中心，也成为海顿生活工作的地方。 　　 　　由于老乐长的去世，海顿从这时起不得不承担起前辈遗留下来的任务，谱写教会音乐和宗教弥撒曲。此时的海顿深受贵族的重用，在相对优厚的创作环境下找到了施展自己音乐抱负的理想途径，但他也不得不遵循贵族们的意愿，为宫廷娱乐活动创作歌剧，所以这一阶段海顿的交响曲创作数量明显减少了。好在作曲家对于交响曲这一体裁的热衷显然是非同寻常的，即便在时间非常紧凑的条件下，依然创作出十余首作品。从1766年至1768年间创作的交响曲包括：No.34、No.35、No.59、No.38、No.49、No.58、No.39、No.26以及No.41。 　　 　　在这些交响曲中并没有涌现出特别知名的作品，不过却反映出海顿创新的作曲思路。当时的奥地利作曲家们开始重视严格的对位形式，在交响曲与弦乐四重奏当中可以鲜明地发掘这种具有悠久历史传统的回归。在实践中又进而将严格的对位式织体和古典奏鸣曲结构融合到一起。海顿正是这种融合的始作俑者，在当时创作的几部交响曲中便展现出作曲家这种创新的理念。而这种音乐上的变化，则预示着“狂飙运动”的到来。实际上“狂飙运动”指的是德国文学界的一股新潮流，但由于维也纳音乐艺术在这一时期的改变与之相互呼应，所以也被用作来概括这一时期音乐创作的新思潮。海顿显然站在这股潮流的风口浪尖。 　　 　　●告别交响曲 　　 　　我们可以把1766-1770年看作是一个过渡时期。从1770年开始，海顿在交响曲创作上施展出无穷的魅力。评论家们认为，这时候的海顿开始进入真正的创作成熟期，他的天赋被完全挖掘出来，体现出其富丽堂皇且富于想象力的特点。在1770-1774年这五年左右的光阴中，作曲家一共创作了十七部交响曲，其中不乏流传后世的名作，譬如No.44《悼念》、No.45《告别》和No.48《玛丽亚.泰利莎》。这一时期的创作速度以及质量与海顿此后创作的巴黎交响曲集和伦敦交响曲集，一起并称为作曲家交响曲创作领域的三大高峰。在这个阶段创作的作品中，海顿不再以某种被限定的类型和风格来创作交响曲，作曲家完全跳出了创作的局限，为我们展现出一幅幅千姿百态的音乐画面，使得听众得以从这些旋律中展开无穷无尽的遐想空间，体味忧郁、哀伤、愉悦和激昂，同时又始终不失自己一贯的平静、睿智和幽默。在这些作品中最为著名的《告别交响曲》自然是不能不向大家详细介绍的。 　　 　　《海顿第45交响曲“告别”》可能是作曲家早期作品中大家最耳熟能详的一部了，他之所以有这样一个标题与他的创作背景的密不可分的，无论是其艺术成就还是它幕后的戏剧性故事，都让这部作品充满了传奇色彩。前面提到过，海顿的主人尼古劳斯亲王在建造艾斯特哈萨宫的时候为乐手们专门准备了居住场所。而亲王为此则制定了一条不近人情的规定——管弦乐团的团员和杂役们都不许携带家属进入。1772年夏天，亲王再次拖儿带女来到位于郊外的艾斯特哈萨宫避暑度假，随行的自然包括自己的宫廷乐队。由于有那条律令的存在，所以整个假期多数的乐团乐师们几乎都只能住在宫殿里，无法与自己的家人见面。虽然他们非常想念自己的父母儿女，但亲王似乎丝毫没有打算离开这里的意思。慑于主人的威严，乐手们又不敢亲自去向亲王表达自己的意愿，他们只能求助于乐长海顿。海顿也是左右为难，一方面他不能得罪自己的主人尼古劳斯亲王，另一方面又深切体会到自己下属思念家人的情感。结果聪明的海顿灵机一动，便创作出这首著名的《告别交响曲》。 　　 　　不久之后作品创作完成，采用代表孤寂的升f小调，在海顿的指挥下全体乐师为亲王演奏这首新作。第一乐章是精神抖擞的快板音乐，接着是是温和宁静的第二乐章和明亮的小步舞曲乐章，但最后的第四乐章却是耐人寻味的。起初是悲切而急速的曲调，但中途却骤然平静下来！音乐的节奏趋于缓慢，且越来越宁静，乐手们按照预先的安排，逐渐离开自己的座位。亲王和在座的观众看着乐师们悲戚的表情只觉得莫名其妙。首先是乐团的第一双簧管和第二法国号乐师把谱架上的蜡烛吹熄，拿着自己的乐器离开了舞台。不一会儿，低音管的团员也退去了，接着第二双簧管、第一法国号和低音提琴也相继默默离去，舞台上越来越冷清。随后大提琴走了，小提琴也跟着退去，中提琴也不见了。最后只剩下两位第一小提琴仍然留在台上，面无表情地用微弱的琴音把最后一段旋律演奏完，然后也吹熄蜡烛离去。舞台终于变得一片寂静，气氛非常凄凉。随后的故事则充满戏剧性，其他观众虽然因此而发愣，可是亲王却了解这首交响曲中所暗示的寓意，他终于明白团员们想早一点回去和家人团聚。他马上到团员休息室，宣布明天大家可以放假回城。第二天，海顿在大伙儿的感激声中，面露笑容，和团员们一起踏上回家的路。他用自己的极具智慧的音乐，赢得了乐师们的尊重，更为后人流传下这样一部独特的交响曲作品。 　　 　　1799年莱比锡的《普及音乐报》有过这样一段记述：“当乐队演奏员开始熄灭烛光并相继悄然退席时，听众的心都收紧了……，而当最后的小提琴奏出的那微弱的声音终于也消失时，听众深受感动地开始默然散开，好象同他们所欣赏的东西永远告别似的”。德国作曲家舒曼听过这部交响曲的演奏后也写道：“对此谁也笑不出来，因为这绝对不是为消愁解闷而写的”。 　　 　　这部交响曲共分为四个乐章。第一乐章 甚快板，升f小调，3/4拍，奏鸣曲形式。以突然出现的全乐队合奏，以及分解和弦急速下降的第一主题开始。乐句单纯，但能给人极深刻的印象。第二乐章 慢板，A大调，3/8拍。这一节奏徐缓的乐章亦为奏鸣曲式。弦乐器静静地演奏出主题旋律，显得沉静而安详。第三乐章 小步舞曲，稍快板，升F大调（有六个升记号，在当时可以说极为少见）。全乐章在情调上，属于节奏稍快而较复杂的段落，其中段以三度重叠的两支法国号奏出，但音乐并不因此而显得粗野，依旧典雅庄重，是这个时期海顿最完美的小步舞曲之一。第四乐章 急板，升f小调，2/2拍，奏鸣曲形式。终乐章分成两个部分。其中第一部分为交响曲通常的终乐章形式，以极快的速度向前发展。第二部分为慢板，3/8拍子，这是最后附加的部分，体现出曲名“告别”的含义。第一双簧管与E调的第二法国号首先结束演奏，随后其他乐手也纷纷完成各自的乐段后“偃旗息鼓”。最后十四个小节，由两位第一小提琴来完成，在安静而孤寂的气氛中，结束全曲。从作品中的某些细枝末节以及总揽这部交响曲的总体格调，不难看出海顿在创作中想方设法用奇妙的调性、旋律和节奏变化来触动亲王的神经，从而达到了极佳的艺术效果。 　　 　　●同时期的其他作品 　　 　　除了《告别》之外，海顿同时期创作的其他作品，诸如No.44、48、60等也是非常动听的，这些曲目我们都会提供试听版本，所以做一个简要地介绍。第44号交响曲原本并没有标题（事实上海顿绝大多数交响曲的标题都是后人根据其创作背景或音乐风格的表现而后定的），但由于在1809年海顿去世后举行的葬礼上，根据作曲家本人生前的遗愿演奏了这部交响曲的慢板乐章，因此而得名《悼念》。第48号交响曲标题为《玛丽亚.泰利莎》，这是当时几首C大调小号交响曲中非常著名的一首，创作于1773年。这一年奥地利皇后玛丽亚.泰利莎初次造访艾斯特哈萨宫，宫殿主人尼古劳斯亲王自然有一番热烈的欢迎。海顿创作的这首交响曲则是为了迎接仪式专为皇后演奏而写的。 　　 　　第60号交响曲《Il Distratto》的独特之处在于竟由六个乐章组成。其知名度虽然不如前面几首作品，但在当时却获得了很高的评价。这部作品实际上是海顿为瓦尔剧团而作的，1774年这个剧团在艾斯特哈萨宫演出了好几个月，并演出了一部由法国剧作家创作的《心不在焉》的德文版。而海顿则为这部剧作编写了全新的场景配乐，第60号交响曲也就由此诞生，并采用《心不在焉》的意大利语《Il Distratto》作为标题，后人则习惯将这部作品译作《神思恍惚的人》。这部交响曲集成了许多民间曲调，包含有法兰西古风、匈牙利旋律、巴尔干式进行曲以及格里高利圣咏的影子，因此听起来热闹而欢快，也算是这一时期海顿交响曲中的另类之作。 　　 　　海顿的交响曲创作经过了这一时期的辉煌，必然会走入一个低谷，那么是什么原因造成了这个低谷？何时再得重新恢复活力？等待下次我们再为大家继续介绍。

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２０　巴黎交响曲与海顿同时期的杰作

　　


　　
　　●歌剧院阴影下的海顿
　　
　　1775年开始，相比此前的几年，海顿在交响曲创作领域的作品显得乏善可陈。原因很简单，这时候歌剧成为了艾斯特哈萨宫中上演最多的乐种。亲王对于歌剧的热情明显要更高一些，作为仆人的海顿只能不断地为贵族们创作或者改写歌剧作品，甚至还担任起歌剧院的指挥，负责剧院的日常事务以及演出排练等等。繁杂的工作以及并不顺利的生活让海顿感到沉重的压力，但他还是无奈地忍受着，被动地接受着，试图让自己在音乐中找到生活的趣味。这十年中海顿写下的交响曲包括了第53、62至64、66至71、73至81号，而76至81这六部交响曲是在1782-1784年之间集中完成的，由此可见在1775-1782这长达七年的漫长岁月中，海顿仅仅写下了十部交响曲。虽然大多数后辈作曲家一生创作的交响曲都不超过十部，但对于“交响曲之父”海顿而言，这段时间应该算是自己交响曲创作历程中的严冬。
　　
　　很明显，这个时期的交响曲都是作曲家在极大工作压力下完成的。评论家们认为，这些交响曲在技巧上已经日臻完善，甚至在不少乐章中有妙笔生花的神来之韵，只是在内涵和思想层面上却显得较为肤浅。其中不少作品甚至有明显的拼凑以及借用的嫌疑。最为明显的则是第63号交响曲《罗克梭兰尼》，它实际上是歌剧《三个苏丹后妃》的配乐。这部作品的第一乐章提炼自海顿早先自己创作的一部歌剧《世外桃源》，而终曲乐章则选用了早期一部未编号C大调交响曲的片断，而后来作曲家本人又用一个流行的风格加以取代。同样出现类似问题的还有第53号交响曲，它居然有四种不同版本的终曲乐章！凡此种种，均可见海顿这一时期的不少交响曲显然是在十分仓促的条件下写成的，歌剧院工作的重压，让海顿在交响曲创作领域无所施展。这些作品中并没有涌现出类似《告别》那样，特别辉煌的曲目。
　　
　　这种窘迫的状况一直到1782年，方才有所改善。在这一年海顿应伦敦出版商的请求，写下了一套三首的第76、77、78交响曲。1783至1784年间，作曲家又写下了另一套交响曲集，编号为第79、80、81号，这些作品此后都被迅速出版。但总体而言，这一时期海顿所创作的交响曲还不能列入他最顶尖的作品行列中，一些客观以及主观的因素，让海顿并没有全情投入交响曲的创作。但1784年一项特殊的邀请，却改变了这一情形，海顿即将迎来全新的创作高峰！
　　
　　●巴黎交响曲
　　
　　从十八世纪六十年代开始，海顿的音乐作品逐渐受到了法国听众的关注，颇受人们的敬仰和爱戴。1784年，当时巴黎著名的“奥林匹克音乐会乐团”的赞助人之一，拥有显赫地位的法国贵族多尼伯爵，本着对音乐的热忱以及对海顿才华的渴慕，建议乐团指挥圣乔治给海顿写信，要求订购六部交响曲。而这些交响曲同样是乐团乐师们相当渴望得到的。多尼以及圣乔治承诺以每部500法郎的高价购买六部海顿的新作，这对于作曲家而言无疑是一笔相当可观的财富。要知道此前海顿写下的诸多交响曲，除了供艾斯特哈萨宫的那些贵族们欣赏外，没有给自己带来更多的经济回报。所以此番来自巴黎的盛情和重酬，自然让作曲家颇为意动，前后六部作品在1785-1786之间的短短两年内迅速写成。
　　
　　由于是受巴黎贵族邀请而作，这些交响曲的首演自然也在巴黎进行，而后人更将这六首编号从82至87的作品统称为《巴黎交响曲》。这套交响曲的前几场演出在1787年举行，在当时的巴黎引起极大的轰动和好评，更加确立了海顿在法国听众心目无比崇高的地位，乐评界称这些作品“气质非凡、结构超群，令人惊叹”。而能够取得这样的成功，与海顿创作这些作品前细致的准备工作有很大的关系。当时巴黎奥林匹克乐团在规模上要远远超过维也纳的乐团，包括海顿手下的宫廷乐团。所以作曲家显然针对大编制乐团做了相当周密的创作计划，毕竟面对更多的乐器，对于作曲家自身的创作能力而言也是一次前所未有的挑战。要知道当时巴黎的奥林匹克音乐会乐团在编制上，小提琴就有四十支，低音提琴也达到十支，管乐编制则是两管到四管，人数近百人，已经与现代的大乐团不相上下了。而演出结果却很成功，由于这六部作品是特别针对大乐队创作的，因此比以前体现出更丰富的音响和音色变化，堪称海顿自身创作的一次重大突破。其次，作曲家仔细调查了巴黎听众的鉴赏标准乃至欣赏品位方面的偏好，在创作中加入了法国传统音乐的元素，以便适应巴黎听众的口味。这些努力加上海顿原本便具备的良好作曲天赋，使得《巴黎交响曲》得以成为作曲家交响曲创作历程上的又一座丰碑，作品睿智、典雅而温馨的格调体现出海顿创新的创作思维以及开阔的音乐视野。
　　
　　这六首作品的创作顺序与编号并不符合，根据史料研究显示的创作先后序列应该是87、85、83、84、86、82。而可以确定的是，后三曲创作于1786年，而第83和第87号则创作于1785年，剩下的第85号具体日期不祥，但肯定也是在这两年内写成的。六部作品中有三部后人为它们加上并不算十分贴切，也不够形象的标题。C大调的第82号交响曲标题为《熊》，之所以为它起了这样一个有趣的标题是因为在终曲乐章开始的低音部隐约可以听到类似熊吼叫的声音。而G小调的第83号交响曲标题为《母鸡》，因为在这部作品第一乐章第二主题中有类似母鸡啼叫的声响，以此而得名。降B大调的第85号交响曲标题为《皇后》，原因是当时法国皇后在欣赏了奥林匹克音乐会乐团演出的这首作品后，对其深表喜爱，因此出版商即以《皇后》为名发行了这部交响曲。其第二乐章采用了当时巴黎相当流行的浪漫曲《温柔年轻的少女李瑟托》，也是它深得人心的一个重要原因。在三首没有标题的作品中，则以D大调的第86号最为出名，甚至被称为整套《巴黎交响曲》中最为耀眼夺目的一部。这部作品的第四乐章：精神抖擞的快板，旋律中所体现出的那种一泻千里与畅快淋漓，着实让听众感到无比的轻松、喜悦和欢欣。这个乐章巧妙地融合了奏鸣曲与回旋曲这两种曲式，这一海顿独有的发明正体现出作曲家此时非同凡响的手笔。
　　
　　由于六首《巴黎交响曲》是海顿十二首《伦敦交响曲》之外最为著名的作品，因此录音版本相当多。而最受推崇的当属奎坎指挥启蒙乐团演奏的版本，由Virgin出版发行，这套录音被认为是《巴黎交响曲》的最佳演绎，企鹅评荐三星带花。而目前较为常见的则是DECCA DOUBLE系列中多拉蒂指挥匈牙利爱乐乐团演奏的版本，选自1971年的那套全集。其余值得推荐的还包括PHILIPS的马里纳以及DGG的卡拉扬版本。
　　
　　●在艾斯特哈萨的最后五首作品
　　
　　第88-92号交响曲是海顿在艾斯特哈萨担任宫廷乐长期间写下的最后五部交响曲，处于《巴黎交响曲》以及日后声名远扬的《伦敦交响曲》之间，但大家切莫忽视这些作品的重要性。
　　
　　第88和89号交响曲是海顿在1787年左右应自己乐团的小提琴手托斯特之约而作，并由这位托斯特先生带往巴黎并出版。实际上第88号交响曲丝毫不逊色于海顿先前所写的六部作品，同样深受听众们的广泛喜爱。这部交响曲一大特色就在于有一段类似苏格兰风笛效果的弦乐三重奏，同时其慢板乐章在小号与鼓的应用上也体现出海顿的独到之处。而其动人的终曲乐章虽然篇幅短小，但构思极为细密，音响效果也很辉煌。与前面提到的第86交响曲第四乐章一样，第88交响曲的终曲也是一首回旋奏鸣曲，而且同样是精神抖擞的快板，但后者显然在技巧上更加纯属，海顿说这是献给对理智和美两者结合情有独钟的维也纳人的一首颂歌。另一首第89交响曲，在风格上有所不同，其冷静、克制的旋律和结构与第88交响曲热情奔放的格调形成鲜明的对比，从而使第89交响曲显出一份冷艳之美。
　　
　　1788年，曾经约作曲家创作《巴黎交响曲》的法国贵族多尼伯爵再次写信给海顿，想让他再为自己和奥林匹克乐团写三首交响曲。而令海顿头疼的是，此前他已经答应了来自德国南部的华勒斯坦亲王，为他和他的乐团创作三首交响曲。海顿便将此后创作的第90、91、92三部交响曲，分别献给了多尼以及亲王。在这三部作品中，以第92交响曲最为出色也最为知名，这部标题为《牛津》的交响曲颇有来历。1791年英国著名的牛津大学决定授予当时红遍欧洲的作曲家海顿音乐博士的头衔，海顿为了表示感谢，便带着第92交响曲前赴伦敦向校方致谢。当年7月在谢尔顿尼安剧院连续举行了三场音乐会，海顿亲自指挥演奏了这部交响曲，因此得名。当然《牛津交响曲》之所以受人欢迎，决不是因为这个特别的标题，而是它令人心驰神往的音乐表现力。有专家评说这部作品是海顿对自己早先交响曲创作的一个阶段性总结，全面体现出海顿的辉煌造诣，甚至说这部作品是“白玉无暇”、“天国般圣洁”。
　　
　　1790年，海顿的主人尼古劳斯亲王去世了，作曲家总算得到了更多的行动自由，而机缘巧合下海顿即将去往新的国度，在那里他将向自己交响曲创作的巅峰迈进！

街头艺人

２１　十二首伦敦交响曲 上篇




　　
　　上次说到1790年，海顿的旧主尼古劳斯亲王去世。取而代之的新亲王安东虽然对海顿十分尊敬，但却义无反顾地解散了宫廷乐团，这让空有乐长头衔的作曲家感到十分遗憾，因此便离开了工作多年的艾斯特哈萨，到了维也纳。在机缘巧合下，海顿认识了来自伦敦的音乐会经纪人所罗门，后者盛情要求海顿去英国寻求新的发展。曾经是一位小提琴演奏家的所罗门拥有自己的乐团并亲自担任首席，他计划和作曲家一起合作定期开办音乐会，由海顿负责创作和指挥。双方一拍即合，由此诞生了著名“伦敦交响曲”，也称为“所罗门交响曲”。
　　
　　●伦敦交响曲的创作历程与背景
　　
　　1790年年底，年近花甲的海顿和所罗门启程前往英国，这是作曲家第一次远离自己的祖国。1791年元旦后他们到达了伦敦。事实上当时海顿在欧洲已经具有相当的知名度，所以这位著名作曲家的到来给当地带来了轰动效应！海顿在这里也体验到了与自己担任宫廷乐长时期完全不同的工作氛围。他面对的不再是少数皇亲和贵族，而是大批大批慕名而来的音乐会听众；同时，所罗门的管弦乐团规模也要比在原先在艾斯特哈萨时的宫廷乐队大得多；另外伦敦庞大的音乐评价舆论在当时的欧洲也是独一无二的；所有这些都让海顿面临新的挑战和机遇！然而他最终取得了成功，因为在这里海顿不再有创作上的过多约束和限制，能够尽情地发挥自己的音乐理念，抒发自己的感情。在伦敦前后数年，海顿总共创作了12首大型交响曲，这也是其音乐生涯中最后的交响曲作品，堪称巅峰之作！
　　
　　首先问世的是第96交响曲，这部作品在1791年3月11日在汉诺维广场音乐厅首演，这也是海顿和所罗门合作的第一场音乐会。演出获得了极大的成功，无论是现场的气氛还是报界的评论都一致叫好。这给了海顿极大的信心，新作接连不断地问世，第95交响曲很快就创作完成。这部作品和先前创作完成的第96号，便成为作曲家在英国第一个演出季最常演的两首作品。1791年的夏天，海顿在哈德福夏郡的乡间小住了两个月，这里宜人的气候以及典雅的景致让海顿感觉心情恬静而平和，在这里作曲家写下了两部新作——第93和第94号交响曲，同其写成的还有第98号。第93号在1792年新演出季上最先精彩亮相，这部出色的作品让著名的《泰晤士报》也为之动容，刊登了一篇褒奖有加的赞赏评论。实际上，这时候的伦敦舆论界已经完全被海顿的音乐才华所折服，每一场音乐会所能带来的都只会是热情洋溢的表扬与赞美。整个1792年的演出季，以第97号交响曲作为尾声，圆满结束。回顾一下，在这两年间海顿总共创作并演出了六首新交响曲（No.93-No.98），这便是第一套“伦敦交响曲”。
　　
　　两个成功的演出季让海顿收益颇丰，知名度也节节攀升，真可谓“名利双收”。在这里富裕的生活以及舒畅的心情，让他曾下定决心永久性地在英国定居下来。但在自己的祖国奥地利还有许多等待解决的事务，所以海顿在1792年7月音乐季结束之后返回了维也纳。然而回到奥地利之后的海顿却感到了不快，这里与伦敦喧闹生活的强烈反差让他觉得不自在，因此作曲家会不时怀念起在英国的快乐经历。终于在1794年1月，他再次前往英国访问。对于他的重新回归，英国人自然是万分欣喜。但海顿却并没有在伦敦定居，甚至停留很长时间，原因自然是多种多样的，说法不一。但有一点可以肯定，海顿为伦敦带来了第二套新创作的交响曲——No.99-No.104。此番抵达伦敦时，海顿已经完成了第99号交响曲，第101号以及第100号也在此后不久宣告完成。这三部作品分别在1794年2月10日、3月3日以及3月31日在伦敦首演。其中第100号交响曲《军队》取得了前所未有的轰动效应。
　　
　　1795年年初，经纪人所罗门组织了一系列歌剧音乐会，但由于歌唱家们无法来伦敦客串，所以不得不换成由大型管弦乐团来替代演出。一向和海顿关系密切且合作默契的所罗门邀请海顿为这几场音乐会创作新的交响曲。作曲家自然欣然应允，写下了第103以及104号两部新作品，加上前一年完成的第102号，这三部交响曲构成了一个整体。而这也成为了海顿一生中写下的最后三部交响曲。1795年8月，海顿离开了伦敦、离开了英国，从此再也没有回来过。虽然作曲家直到1809年方才逝世，但从1795年之后他就再也没有写过任何一部交响曲……
　　
　　●第一套伦敦交响曲
　　
　　伦敦交响曲集一共由12首作品组成，虽然属于海顿一个时期内的集中创作，但在艺术风格上却可谓各具特色。本篇中先为大家介绍第一组作品，编号从No.93-No.98，我们按照这些作品的创作顺序为大家逐一简单介绍。
　　
　　首先问世的是D大调的第96号交响曲《奇迹》，然而这个漂亮而引人的标题，其实是一个以讹传讹的误会。传说在这首交响曲首演的那场音乐会上，海顿亲自指挥。准备开演前，热情的伦敦观众为了争睹这位作曲大师的风采，纷纷从后面挤到前台来。就在这个时候，意外发生了——音乐厅天花板上的吊灯不知何故突然掉了下来！不可思议的是，这个危险的场景并没有让任何一位观众受到伤害。海顿脱口而出：“奇迹！”由此这首第96交响曲便有了这样一个“雅号”。实际上事实并非如此，这很可能是一则捏造的趣闻轶事，也有人根据一些史料查证后认为，这个吊灯坠落的意外其实发生在1795年第102号交响曲首演时，而非第96交响曲首演的音乐会上。英国评论界对于这首海顿登陆英伦后上演的第一部新作，给予了极高的评价，尤其是它简练、优美的管弦乐配器，让听众为之着迷。这首交响曲以自己活泼明亮、精致光彩的气质为伦敦这个充满雾气的城市带去了以前不曾有过的音乐氛围。
　　
　　随后是c小调的第95号交响曲。它在整个伦敦交响曲集中是比较独特的一首——唯一一部小调性且没有采用慢序奏作为引子的作品。这部交响曲带有一丝狂飙运动时期的影子，作品的开始部分强劲而有力，行板乐章宁静而舒缓，小步舞曲乐章则显得个性鲜明。终曲乐章是一个很大的赋格，而作曲家采用了C大调，使得这部海顿“最后的小调交响曲”的尾声充满了乐观而自信的气质。
　　
　　紧接着是D大调的第93号交响曲，这首在哈德福夏郡乡间创作的作品，拥有轻松活泼的迷人气质，首演于1792年2月17日。相比先前上演的两首作品，第93号获得更大的成功！伦敦最著名的大媒体《泰晤士报》称作曲家海顿是“无人可与之比肩”，赞赏这部作品拥有“精巧的结构”、“新奇的思想”、“令人快意的变幻莫测”、“与作曲家崇高而伟大思想相结合……”。文章还说：“批评家的眼光由于额外的光彩而突然一亮——这正是伟大的画家想要捕捉的瞬间——这种神态一般不会在人的脸上表现出来，除非在像这样的难得而伟大的场合……”。这就是第93交响曲的魅力所在，我们可以理解评论员在撰写这篇文章时候，心中的喜悦之情正是源自海顿这部优秀的创作。作品以嘹亮的号角齐鸣作为开始，随后快乐和愉悦的旋律如泉水般奔腾不歇，一往无前，评论家们认为这种意境是海顿在伦敦时期特有的状态，而这部交响曲又被认为是“极富英格兰风味”的作品！
　　
　　随后到来的是降B大调的第98号交响曲，首演于1792年3月2日。这部作品的特殊意义在于，海顿在这个调性中运用了小号和定音鼓这两件乐器，这在交响曲发展史上是一次创举。评论家们认为这是一种“英国式的特征”，也体现出作曲家的创新理念，海顿绝对处于当时音乐创作的领先地位。作品的第二乐章为如歌的慢板，有演奏家认为这个舒缓而略带哀伤的乐章充满了海顿对于莫扎特的深切悼念——就在这部作品问世前不久的1791年12月5日，才华横溢的莫扎特英年早逝！莫扎特生前与海顿有很深的交往，这两位古典主义时期最杰出的人物相互仰慕、吸取对方的养分，可谓“惺惺相惜”。如果我们仔细品味《第98交响曲》的这个慢板乐章，或许能体会出海顿的这份真挚情感。
　　
　　随后的G大调第94号交响曲应该是第一套伦敦交响曲集中最负盛名的一部，甚至堪称海顿晚年作品中名声最大的交响曲之一，它具有一个响亮的名字——《惊愕》！这部作品在1792年音乐季的第六场音乐会上首演，获得极大的成功。它的得名源自于作曲家在第二乐章中，先以极弱的演奏陈述主题，随后立即迸发出一个和弦加定音鼓的全奏，由此营造出强劲而极富动态的力度对比，效果令听众惊叹，所以作品首演成功后不久，英国人便给这部作品加上了《惊愕》的标题。虽然这样的技巧在此后的交响曲创作中屡见不鲜，但海顿显然是最早的尝试者。有传闻说，海顿之所以在慢板乐章中加入这样一个小高潮，主要为了讽刺或者惊吓那些坐在包厢中的对音乐不懂装懂、而又附庸风雅的贵妇人，以期用这样一个令人惊愕的片断让贵妇人们出丑。实际演出中，当乐队演奏到那段旋律时，那些贵妇人们果然从睡梦中惊醒，以为发生了什么重大的事情，甚至想逃出剧场。实际上大多数听众非常喜欢海顿的这部《第94交响曲》，尤其对第二乐章情有独钟，当年音乐会演出这部作品时，这个乐章往往会被听众反复要求单独重新演奏，可见其受欢迎程度。此乐章在平凡中所透出的纯朴、宽广的气质，绝对是海顿创作才华的极高表现。
　　
　　第一套伦敦交响曲的最后一部是C大调的第97号交响曲，同样创作于1792年，是当年演出季的压轴大戏。它与《第98交响曲》一起被专家称为前六部伦敦交响曲中最杰出的作品。评论家用“篇幅浩大、妙趣横生”八个字概括了这部作品的艺术特点。海顿一生中创作了数量庞大的“C大调”交响曲作品，而这部《第97交响曲》无疑是这类作品中最为精美的一部，同时也是最后一部，在第二套伦敦交响曲中便没有C大调作品了。庄严而宏伟的第一乐章、融合了智慧与优雅的慢板乐章、极富色彩和动感的小步舞曲以及拥有卓越技巧以及诙谐动听旋律的终曲都是这部作品的精髓！
　　

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２２　十二首伦敦交响曲 下篇 　　 　　海顿在1792年夏天离开伦敦，回到故乡维也纳，时隔一年多之后不甘寂寞的他重新到达英国，再次为广大热情的听众带来了第二套共六首“伦敦交响曲”。这些作品和先前的六首一样，体现出作曲家超乎寻常的创作技法以及幽默睿智的创作态度，其中的《军队》、《时钟》、《鼓声》以及《伦敦》等标题作品，更成为广受欢迎的知名曲目。本篇我们就为大家详细介绍海顿的这第二套伦敦交响曲。 　　 　　 　　●第二套伦敦交响曲 　　 　　首先登场的是降E大调的《第99交响曲》，这部作品在海顿第二次抵达伦敦之前的1793年便已经创作完成，因此得以在1794年2月10日很快便和伦敦的听众们见面。担任演奏的依然是经纪人兼小提琴家所罗门的管弦乐团，且乐团的规模进一步扩大，因为作曲家在这首交响曲中首次加入了单簧管，并在后面的作品中多次沿用。这部作品的柔板尤其出名，这个乐章是海顿为了纪念其亲密的“红颜知己”去世而专门谱写的。旋律中无不体现出作曲家当时孤独与空虚的情绪，然而隐隐约约中却又透出一种深情款款的美态。这个乐章和我们先前曾经为大家介绍过的《第98交响曲》第二乐章有着异曲同工之妙，都是为了纪念逝者有感而发，但前者悲凉中所显现出的柔肠寸断之感，无疑更能打动听众。无怪乎当时伦敦的乐评家们第一次听到这个乐章，就被其神奇而内省的风格所打动。 　　 　　1794年3月3日，D大调的《第101交响曲“时钟”》在汉诺威广场音乐厅首演。这部作品的第二乐章慢板中，伴奏充满着规则的八分音符节奏，各种乐器以独特的点奏方式营造出类似时钟钟摆的音色，滴答作响的效果精致而逼真，因此后人为这部作品加上了“时钟”这个具有象征意义的标题。这部交响曲确实是能突出体现海顿个人风格、且广受世人好评的知名作品。在首演之后英国著名的《预言家报》便迫不及待地宣称，这部交响曲是海顿的“最佳之作”。虽然这个结论并不一定客观，但却反映出听众对其的喜爱之情。事实上确实有不少人认为，即便把《第101交响曲》列为海顿最杰出的交响曲，它也是受之无愧的，这源自其匀称均衡的结构以及质朴清新的旋律。第一乐章，舒缓而宁静的引子段落过后，是具有强烈民间舞蹈气息的快板，充满着海顿一贯欢乐、开朗的风格。第二乐章则是作品赖以成名的段落，栩栩如生的钟摆节奏体现出作曲家充满生活情趣的艺术格调，而小提琴则在这机械而缓慢的“钟摆”音色背景下，演奏出一段极其优美典雅的旋律，令人赞叹。第三乐章是小步舞曲，也是同类乐章中规模比较大的一首，以海顿一贯喜爱使用的八度跳跃进行。而最后的乐章尤其精彩，甚至有评论家认为这部作品的末乐章是海顿所有创作中最了不起的终曲。这支欢乐明朗的回旋奏鸣曲，充满着华美和力度，刚毅之中透出宽广的风范，同时又兼有乡村歌曲以及民间舞曲的朴实精华，乐章最后在激昂而振奋的气息中辉煌地结束。 　　 　　精彩的《时钟》过后，紧接着在1794年3月31日首演的G大调《第100交响曲“军队”》为作曲家带来了更大的轰动，甚至有报端认为这是“海顿有生以来最大的成功”——音乐会演出现场气氛火爆到极点，“安可”的呼声此起彼伏，许多女士也纷纷放下矜持，加入了欢呼的行列。诚然，这部作品是一部优秀的交响曲，但能获得这样程度的欢迎，一定程度上则是因为这部交响曲本身所蕴含的热情和火爆。海顿在创作这部作品的时候，显然力图赋予其一些特别的元素，因此在配器上采用了许多打击乐器，诸如三角铁、大鼓以及钹，在终曲乐章中刻意营造出一个热烈的战争场面，其标题“军队”也是由此而来的。虽然有人认为海顿的这个尝试并不成功，缺乏真正的英雄气概以及战斗气氛，仅仅以火爆的乐器效果根本无法增加曲目的内涵，但不可否认的却是，《“军队”交响曲》获得了极大的成功。终曲乐章中前所未有的大胆创新，让伦敦听众感到了特别的新鲜和刺激，也让《军队》成为了海顿最著名的交响曲之一。 　　 　　接下去的三部交响曲是所罗门委托海顿为1795年音乐季特别准备的。降B大调的《第102交响曲》创作于1794年夏秋季，首演于1795年2月2日。这部交响曲的特点在于戏剧性的简洁——篇幅并不长，但结构却十分紧凑，管弦乐处理技艺也达到了炉灰纯情的境界，同时又不乏海顿活跃、进取的创作特点。第一乐章的引子安静而舒缓，但随后带出的主题却拥有宽广的气质、迅捷的速度、充沛的力量以及令人无比愉悦的节奏，在这个充满民间舞曲格调的乐章中，所体现出的欢快气息无疑是同期作品中最为突出和鲜明的。第二乐章可谓“精雕细刻”，旋律华丽而盛大，表现力非常强大，似乎每个音符都经过作曲家仔细的推敲和修饰。富丽堂皇的小步舞曲之后是依旧充满着欢快气氛的终曲乐章，以回旋曲的形式写成，其迅捷的节奏以及愉快的主题与第一乐章形成前后呼应，充满着令听众无比兴奋的节庆狂欢气息！ 　　 　　随后的降E大调《第103交响曲“鼓声”》同样引人瞩目，因为这部作品是海顿所有交响曲当中篇幅最长的一首。这部首演于1795年3月2日的作品，以定音鼓滚奏作为曲目的开端，这在交响曲创作历史上是绝无仅有的，因此这部交响曲便有了自己的标题“鼓声”，也有的翻译为“擂鼓”。虽然在知名度上这部交响曲并没有超过此前的几部作品，但由于创作风格上的成熟，使其成为海顿交响曲创作历程中的典范之一，评论界认为它完美地体现了作曲家的创作技法。第一乐章扑面而来的连绵鼓声以及随之而来的引子，让曲目的开始部分显得严肃而深沉，随后转入充满着舞曲旋律的基本主题。整个乐章中，不同乐器的音色转换以及突然变化的调性色彩都体现海顿独特而幽默的创作手法，实在是引人入胜。第二乐章以双主题二重变奏曲写成，篇幅较大，第一主题为一首克罗地亚民歌，旋律舒缓而动听；第二主题则类似进行曲风格，两个主题之间形成调性对比，而且在音色上也体现出变化，配器上的卓越技巧使得整个慢乐章听起来充满着丰富的色彩。终曲乐章依然是常用的回旋奏鸣曲形式，整个乐章构建在单一主题之上，这是非常少见的。虽然看似十分简洁，但经过海顿的精巧设计却展现出无比精妙的变幻。这个充满锐气的乐章，虽然没有《第102交响曲》终曲的狂欢气质，但肃穆的神情中依然透露出一丝愉快而富有活力的气息。 　　 　　海顿的最后一部交响曲是D大调的《第104交响曲“伦敦”》。虽然我们习惯将作曲家为所罗门所作的12首交响曲统称为“伦敦交响曲”，但No.104无疑是最为“正宗”的一部，也是作曲家为自己数量庞大的交响曲作品、漫长的交响曲创作历程所作的一个出色的总结。因此其标题和音乐作品本身内容并没有太大的联系。乐曲以一个相当震撼人心的、具有强劲力度的引子开始，这个长达两分钟之久，缓慢却富有底蕴的引子显得独特而具有标志性意义，随后乐曲转入欢快的、充满音色对比变化的舞曲段落，隐约中显现出一丝诙谐和幽默的气质。第二乐章是一首抒情曲，宁静而明朗，但又略带一些忧郁和妩媚。第三乐章风格接近于玛祖卡舞曲，用复三段体写成，轻盈而平稳。作品的终曲乐章为典型的奏鸣曲形式，其第一主题据说取材于当时一首相当流行的克罗地亚叙事民歌，但也有另一种说法认为，作曲家是以一种英国街头叫卖为旋律为基础创作而成的。不过无论真相如何，这个充满着民歌风味的乐章是令人激昂而振奋的，当最后一个音符结束之后，海顿的交响曲创作历程也画上了一个圆满的句号！ 　　 　　●海顿对于交响曲发展的巨大贡献 　　 　　我们用前后五个篇章为大家介绍了海顿的交响曲创作历程，从最早期的小编制作品，到狂飙时期的名作，再到著名的“巴黎交响曲”，直至最后的巅峰——“伦敦交响曲”。在这个不断发展的过程中，海顿以其极具天赋与个性魅力的音乐理念和丰富的创作经验，不断地攀登新的高峰。管弦乐队编制的逐渐扩大促使了创作手法的日臻完善，使我们看到了交响曲这一曲式，在海顿手中如何一步一步走向成熟。下面所转载的这些专业评论足以说明海顿对于交响曲发展的贡献—— 　　 　　“交响统一性的力量如此强大，以至于虽然海顿早就熟知二元性的奏鸣曲原则，但有时他却可以特许不要独立的第二主题。几乎没有哪位作曲家曾企及过这种不可阻挡的交响结构逻辑，甚至贝多芬也只是在规模上超出。” 　　 　　“出于更高层次的交响结构需要，海顿将末乐章中简单的回旋曲被充分展开的奏鸣回旋曲取代，以和前面各乐章的艺术品格相匹配，后期交响曲中的缓慢引子增强了表情的深刻和戏剧性的张力，常常只不过是几个小节，庄重低沉，有时神秘莫测，总是陷入沉思和幻境，有时是梦想，带有强烈的浪漫气质。” 　　 　　“交响曲已经有一段很有意思的历史，其实践者中有的是具有相当个性和创造力的杰出作曲家。在海顿同代人中，也有一些具有独特性的交响曲作家。海顿伟大的贡献是将所有这一切综合为一种具有可信的逻辑和永恒生命力的风格。这一成就使海顿成为与康德同等的一个平辈人和战友。”

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第7楼5 ２３　海顿的其他优秀作品 　　 　　此前我们花了不小的篇幅为大家介绍了海顿的交响曲创作历程。实际上，除了这104部交响曲之外，作曲家还有许多值得聆听的优秀作品。在本篇中我们就为大家简要介绍一下海顿的《交响协奏曲》、《小号协奏曲》以及他的弦乐四重奏、宗教合唱等。本篇中就让我们走马观花，看看海顿的这些决不逊色于其交响曲创作的优秀作品。 　　 　　 　　 　　●两部杰出的晚期协奏曲 　　 　　在海顿专题的一开始，我们就为大家介绍了他的两部大提琴协奏曲以及几部钢琴协奏曲，这是作曲家早期的杰作。此后海顿还为不同的乐器创作过数量众多的协奏曲——三至四部《小提琴协奏曲》、两部《圆号协奏曲》、一部《交响协奏曲》以及一部《小号协奏曲》。其中的《交响协奏曲》以及《小号协奏曲》是海顿晚年创作的两部著名作品，值得重点介绍。 　　 　　《降B大调交响协奏曲》（也称之为管弦乐协奏曲）编号为Hob.I：105，也就是说这部作品在海顿作品目录编年表中紧紧挨在其104首交响曲之后的。这部作品在听感上和海顿自己的交响曲有许多相似之处，不同点则在于它只有三个乐章，而非交响曲普遍的四乐章结构。所谓“交响协奏曲”也就是为多件管弦乐器而作的协奏曲，而海顿的这部作品是以双簧管、低音管、小提琴以及大提琴四件乐器作为主角的。据考证，《降B大调交响协奏曲》创作于1792年，也就是海顿第一次英国之旅期间。当时伦敦一度盛行普莱埃尔的“交响协奏曲”，音乐经纪人所罗门因此力劝海顿也写一部类似形式的作品，肯定能够博得伦敦听众的喜爱。作曲家欣然接受了这个提议，很快写成了这部作品。四件乐器成为四个独立的声部，海顿为每一个声部都写了丰富多彩的旋律，使四件乐器在这部协奏曲中相映生辉。三个乐章都充满了热情而愉快的气质，而其最后的终曲乐章则又带有一丝鲜明的复古气息，海顿在这里采用了数十年前使用过的技巧，以歌剧宣叙调来铺陈主题，小提琴在这里就好像戏剧女高音，透出一种独特的幽默而滑稽的戏剧性效果。 　　 　　编号为Hob.VIIe-1的《降E大调小号协奏曲》则可以称之为海顿在协奏曲领域的最高成就，也被普遍认为是作曲家最优秀的一部器乐协奏曲。在音乐史上原本便为数不多的小号协奏曲中，海顿的这部作品更被认为是同类作品中的瑰宝！根据史料记载，除了这部作品外，作曲家还写过其他管乐协奏曲，譬如长笛协奏曲、低音管协奏曲以及双圆号协奏曲等，但大多已经遗失，这部《小号协奏曲》是海顿写下的最后一部协奏曲，因此更显得珍贵。 　　 　　小号在西洋乐器中是历史比较悠久的铜管乐器。其音色强烈明亮，锐利，富光辉感，是铜管族的高音乐器。它也可发出优美而富歌唱性的旋律，使用弱音器时可变换音色。不过早期的小号没有开音孔，不能吹出半音，所以它在早期管弦乐队中始终只能扮演配角。到了古典主义时期，一位维也纳宫廷乐团的小号手Anton Weiding（安东.魏丁格）在实践中改良的小号的性能，他的做法就是在小号上开几个小孔，然后通过加装按键来控制气流，这样就能够让小号拥有更为丰富的表现力。据史料记载，海顿的这部《小号协奏曲》就是为魏丁格以及他所改良的这种新型小号专门踱身创作的。 　　 　　 　　 　　没有按键的早期小号 　　 　　 　　 　　改良之后的小号 　　 　　《降E大调小号协奏曲》创作与1796年，也就是海顿第二次从伦敦回到维也纳后的第二年。第一乐章是快板，降E大调，4/4拍。呈示部的第一主题由第一小提琴呈示，接着以全合奏方式来结束第一主题。然后出现下行的第二主题，旋即进入全合奏的终结乐句，简洁明了。主奏呈示部是由主奏小号重新吹奏的第一主题开始的。第二乐章为行板，降A大调，6/8拍。首先由弦乐器奏出西西里舞曲节奏的主要主题，主奏小号跟着重复一次。在本乐章中，小号与全乐队交相辉映，而造成调性的变化。第三乐章快板，降E大调，2/4拍，两个主题回旋奏鸣曲形式。三个弦乐器合奏主题，接着由全乐队重复主题一次，然后乐曲转为第二主题，藉着很起劲的乐句来结束乐队呈示部。接着由主奏小号轻松地吹奏出欢快乐观的主题，这是一段非常有名的旋律，主奏小号在高音区奏出嘹亮的音色，充分发挥出这一乐器的特色。结尾再现第一主题，直接把乐曲带进终结部。整部作品充满着庆典的欢乐气氛，所以海顿的这首《小号协奏曲》能够流传至今、历久不衰也就是自然而然的事了。 　　 　　●海顿的弦乐四重奏概述 　　 　　海顿被誉为“交响乐之父”，其实也是“弦乐四重奏之父”。许多评论甚至认为，海顿对于弦乐四重奏这种音乐形式的发展所作出的贡献，要超过作曲家对交响曲发展的贡献。但有意思的是，作曲家曾经承认，自己使用这种形式创作音乐是“纯属偶然”的，可见海顿只是在不知不觉中完善了弦乐四重奏，而非刻意去创造或革新。他一生创作了一百余首交响曲，而其弦乐四重奏作品的数量也毫不逊色，粗略统计一共有八十多首，遗憾的是，至今尚无任何唱片公司将海顿所有的弦乐四重奏作品出版齐全。 　　 　　所谓“弦乐四重奏”，是由两把小提琴、一把中提琴以及一把大提琴所组成的。这四种弦乐器代表四个声部，从而构成一个高中低音相当完整的小型乐团。海顿经过数十年对弦乐四重奏这一曲式的创作，逐渐确立了其基本创作技巧以及四乐章的整体构架。又经过莫扎特、贝多芬、舒伯特、舒曼等一代代后辈音乐大师的完善，弦乐四重奏逐渐成为了“室内乐”的代表形态，其拥有均衡的四部合声，音色容易协调，表现力丰富，音域宽广，富于音色对比。 　　 　　海顿从18岁开始创作弦乐四重奏，直到晚年一直未曾间断，作品往往是以曲集的方式出版，通常习惯以六首作品为一个整体，辑成一套。早期的作品作曲家自己称之为“多声部嬉游曲”或者“四声部嬉游曲”，在诸多方面还处于不成熟的探索阶段，但在这个过程中海顿逐渐确立了弦乐四重奏的创作形式。1772年左右的问世No.31-36《四重奏嬉游曲》是海顿在弦乐四重奏领域成功的开始，这六部作品甚至被一些学者认为是“巅峰之作”。此后作曲家又写下了No.37-No.42《俄罗斯四重奏》，这套作品是真正以奏鸣曲形式写成的现代弦乐四重奏鼻祖。而此后海顿的弦乐四重奏创作显得越发成熟、优秀，陆续写下了No.44-49《普鲁士四重奏》、No.50-56《临终七言四重奏》、No.57-No.68《第一、第二托斯特四重奏》、No.69-No.74《亚波尼四重奏》以及No.75-No.80《艾尔道迪四重奏》等。 　　 　　在众多作品中比较引人瞩目是晚年的一些作品，具有代表性的则是No.75-No.80这六首。这套弦乐四重奏创作于1797年，也就是海顿写下《小号协奏曲》之后的一年。由于曾经出价转让给约瑟夫.艾尔道迪伯爵，所以有了《艾尔道迪四重奏》这样一个标题。实际上大家更熟悉其中三部作品的小标题：《五度》、《皇帝》、《日出》。d小调的No.76《五度》是因为其第一主题的主要动机为下降五度音型而得名。而降B大调的No.78被称之为《日出》，则因为整部作品体现出精神抖擞的气质而得名。C大调的No.77的第二乐章主题是著名的《皇帝赞歌》，所以被称之为《皇帝》。这个背景很能体现海顿“忠君爱国”的情结。在伦敦的时候，海顿便受英国国歌《神佑我王》的启示，很想为自己的祖国创作一首国歌。1796年，奥地利和法国开战，这一事件更激发了作曲家写作国歌豪情。不久之后，海顿根据《上帝保佑弗兰茨皇帝》的歌词，以一首克罗地亚民歌为基础写成的一首合唱曲，也称之为《皇帝赞歌》。1797年2月12日，在奥地利国王弗兰茨生日当天，这首国歌在维也纳国家剧院和各地的大剧院同时演唱。有趣的是这首当时的奥地利国歌现在是德国国歌。海顿对于这段旋律非常钟爱，在No.77弦乐四重奏中再次使用便是一个例证。甚至根据有些文献记载，海顿临终前正值法军进攻维也纳的关头，弥留之际的作曲家常常满怀深情地在钢琴上演奏这首歌曲，以期从中得到精神上的安慰。 　　 　　●晚年的杰作 　　 　　从伦敦回国之后，海顿就再也没有写过交响曲，而1796年的小号协奏曲则是他在大型管弦乐创作领域的绝唱。已经处于垂暮之年的海顿，开始钟情于宗教作品的创作。而1797-1798年间写成的《创世纪（The Creation）》以及1799-1801年间写成的《四季（The Seasons）》则是其中最负盛名的两部清唱剧，前者更被誉为是作曲家最伟大的作品之一。 　　 　　海顿之所以会将自己晚年创作的重点放在宗教清唱剧方面，学界一致公认的说法是作曲家在自己的伦敦之旅中深受亨德尔《弥赛亚》的影响。看过我们前面文章的读者应该知道，亨德尔以及他的这部宗教神剧在英国享有盛誉，经常可以在重要宗教节日以及仪式上听到其优美而圣洁的旋律。海顿受到启发，因此也力求创作出一部不朽的宗教音乐。作曲家最终确定以《圣经》中的“创世纪”部分为内容基础，同时借鉴约翰.米尔顿曾经为亨德尔撰写改编的《创世纪》歌词。 　　 　　全剧分为三大部分，由合唱、独唱咏叹调、重唱和器乐间奏组成。第一、二部分分别叙述上帝造天、地、昼、夜、海、风、火、声，以及植物、动物等；最后，上帝又依照自己的形象创造出人类的始祖——亚当与夏娃。第三部分表现亚当与夏娃因吃了“智能之果”而被逐出乐园的痛苦，同时以人道主义精神描述了他们因为有了知识和爱情而喜悦。“创造”的过程也被完全世俗化地处理了，以至于人们认为它“与其说是赞美创造的神，不如说是赞美创造的工匠”。这部作品具有高度的艺术价值，洋溢着光明和欢乐，海顿的器乐作品中原有的朴实无华、通顺和谐的特点得到了更加亲切感人的体现。其中大量生动的描写段落和丰富的想象，如“日出”、“溪流”、“鸟鸣”、“野兽画像”，以及序曲中许多新颖的半音和声手法，成为后来浪漫派作曲家们汲取灵感的源泉。 　　 　　海顿以自己最饱满的创作热情完成了《创世纪》，虽然作曲家当时已经六十出头，但在写这部作品的时候却发挥出了自己最大的潜力，并将数十年来的音乐创作经验融入到这部作品当中，所以《创世纪》1799年首演时引起了轰动。然而这些成功在许多熟悉作曲家的人看来，是理所当然的事情——这部作品显然是海顿一生信仰最为虔诚的表露，所谓真情实感造就最动人的旋律！ 　　 　　●结语 　　 　 　　 　　1803年之后，海顿的健康状况开始出现问题，在此后的几年时间里他已经无法再创作出更多优秀作品。1809年5月维也纳再次遭到法国侵略者的进攻，炮火隆隆不绝。海顿唯一可以做的就是用自己曾写下过无数优美旋律，现在却已粗糙衰老的双手，反复在钢琴上弹奏那首最能体现自己忠君爱国之心的《皇帝颂》，以表达自己对侵略者的痛恨。在这个月的最后一天，也就是1809年5月31日，这位“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”在炮火中与世长辞。海顿对君王贵族的愚忠和妥协，一定程度上局限了他在音乐创作领域的作为，但问题在于，海顿就是海顿，他是独一无二的！其音乐中所透出的优雅、平和、幽默、质朴的气质是世界古典音乐宝库中不可忽视的瑰宝！我们对作曲家海顿的介绍至此告一段落。

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２４　概论莫扎特 上篇




　　
　　入门系列走过海顿，开始进入另一位同时期的音乐天才——Wolfgang Amadeus Mozart（沃尔夫冈·埃玛迪斯·莫扎特）的世界。是的，莫扎特！或许大家对这位奥地利人早已耳熟能详、或许大家对此期待已久，那么从本篇开始，让我们共同品位、欣赏这位西方音乐史上最杰出神童、最伟大天才（之一）的音乐作品。
　　
　　要把莫扎特的故事看尽、把他的音乐作品听遍，并一定程度上理解其中的内涵和深意，无论对于专业学者还是普通爱好者，都需花一番心血和功夫——因为莫扎特的一生生活经历坎坷多变，也因为他在音乐创作方面拥有庞大的数量，且所涉题材多样，更因为莫扎特音乐中所包含的丰富内涵和多变气质。他曾是风光无比的神童、他曾是穷困潦倒的青年、但也是英年早逝的才俊。关于他，实在有太多值得关注的焦点，所以在系列文章的这头两篇中，首先让我们来概论莫扎特。
　　
　　一、人生历程
　　
　　1、神童时代
　　
　　人们谈起莫扎特，都喜欢以“音乐天才”或者“音乐神童”相称，而音乐史上可能没有另一个人能比莫扎特更有资格拥有这两顶“头衔”。莫扎特1756年1月27日出生在萨尔兹堡，很小的时候就显现出自己在音乐方面的非凡才能，这其中有先天的因素也有后天的培养。他的父亲里奥波德·莫扎特（Leopold Mozart）在发现了儿子身上无与伦比的天赋后，就立即开始系统地教授儿子音乐课程。老莫扎特本身就是当时小有名气的音乐教育学者，拥有丰富的演奏和教学经验，当他把自己所学倾囊传授给自己聪明的儿子后，所显现出的成果自然是非凡的——沃尔夫冈四岁开始弹钢琴、六岁时已经能够熟练演奏并开始尝试作曲，八岁时已经能够创作相对复杂的交响曲作品！有许多故事可以证明“神童莫扎特”的非凡之处，而将这些事迹归结起来就是——超凡的记忆力、一流的理解能力和自我学习能力。当时的小沃尔夫冈面对一部完全陌生的音乐作品，一般只需要聆听一到两遍，便可以将其总谱完全记录下来；在跟随父亲学习器乐演奏的过程中，他也决不会按部就班，反而有许多令其父惊异的超前意识。在这些事实面前，后人依然会不断惊叹——即便出生在音乐世家、即便从小就接受良好的系统教育，但在如此之小的年纪便达到这等高超的音乐造诣，除了上帝赐予了这位少年神奇的力量外，还有什么更好的解释呢？
　　
　　
　　
　　童年莫扎特画像
　　
　　老莫扎特虽然是当时小有名气的器乐教育家，但在音乐创作上少有建树，而他固定的职业也仅仅是萨尔兹堡大主教手下的一名微不足道的音乐奴仆，收入和名声都极其有限。所以在看到自己儿子在音乐方面拥有如此杰出天赋的时候，强烈的虚荣心促使他要让沃尔夫冈成为家族荣耀的发动机。在小莫扎特六岁那年，也就是公元1762年，里奥波德向自己的主人请了长假，开始带着儿子沃尔夫冈以及十岁的女儿玛丽亚·安娜，开始了旅行演出。在此后长达十年的岁月中，莫扎特家族就以这样“巡游”的方式红遍了欧洲各地。起初是维也纳，而后是德国境内的大城市：慕尼黑、海德堡、法兰克福、波恩、科隆，再后则是荷兰、法国、英国、瑞士以及意大利。作为演出核心的沃尔夫冈·埃玛迪斯·莫扎特更成为了欧洲人心目中无以替代的音乐小天使——神童总是更容易受到人们的欢迎和欢呼！每到一处，当地媒体总是给予他们最热情的宣传和最优秀的评价。
　　
　　这样的旅行演出表面上看起来风光无比，担实际上却辛苦异常，很多时候莫扎特家族所能赚到的仅仅是观众们的喝彩声，而非实实在在的金钱或财物。老父亲里奥波德却依然乐此不疲，因为这样可以满足他的虚荣心，殊不知却让尚处少年时期的莫扎特那孱弱的身体吃尽了苦头。甚至有传记作家认为，沃尔夫冈在年少时这段颠沛流离的生活，破坏了他原本就不强健的体质基础，加之性格中的某些缺陷，促使了莫扎特的英年早逝。但每一件事务总有其两面性，在这段旅行演出生涯中，小莫扎特增长了见识、扩大了视野，欧洲各国不同的文化底蕴以及音乐传统也让他收益颇丰。尤其是先后三次的意大利之旅，使莫扎特深受意大利音乐的影响。在旅途中，除了演出之外的时间，他不忘汲取养分，并发挥自己的创作天赋，写出一部又一部作品，而这些作品体现出一个特点——莫扎特开始尝试将欧洲各种不同的音乐格调加以融合、意在开辟属于自己的音乐新天地。同时，在旅行中的所见所闻，也让他早早地看到了人世间许多浮华、虚假乃至阴险的面目，成就了莫扎特在性格上的早熟，以小小年纪创作出一部又一部多少带有些讽刺色彩的歌剧，便是这方面最突出的体现。
　　
　　2、与大主教的决裂
　　
　　莫扎特的童年是光荣灿烂的，虽然期间不乏困顿和艰难，但“神童”的光耀却始终笼罩在他的头顶。每个人都会成长，童年是不可能永恒的！对于莫扎特而言，这个关于“神童”的传奇结束在1771年，这时他已经十五岁。沃尔夫冈与父亲结束了新一轮的旅行演出回到故土萨尔兹堡，父子俩似乎已经厌倦了这种无休止的“做秀”。为生活所迫，老莫扎特成为了新任大主教柯洛列多手下的音乐仆役，儿子则作为他助手，发挥自己在作曲方面的长处。他们不得不按照主人的吩咐进行音乐活动，即便行事谨小慎微却依然不时要受到侮辱和谩骂，无论是自由还是尊严都受到了极大的侵害。从巡演时的一呼百应，到如今的惨淡经营，反差之大令父子二人唏嘘不已。里奥波德自然不喜欢这样的生活，而且他知道自己的儿子日后也肯定无法忍受这样的主人，所以他想方设法要陪同儿子再次去国外进行演出活动，也想让儿子在外面的世界寻找更好的出路和职位。然而“神童”已经长大成人，虽然他的音乐创作更加成熟、虽然他的演奏技巧越发精炼，但关注的人群却非常有限——人们不再买这个昔日“神童”的帐。莫扎特父子开始明白，年少时所创造出的辉煌，多源自“神童”的名号，大多数人只是为了求得消遣而来看热闹，而非出自对音乐作品本身的喜爱！而当莫扎特不再幼小、失去了年龄的资本，那些肤浅的喝彩与并不真诚的欢呼也就渐行渐远了。
　　
　　
　　
　　莫扎特父亲里奥波德画像
　　
　　即便自己非常努力，但莫扎特依然无法在萨尔兹堡之外的土地立足，而每次当父子俩巡演归来，大主教柯洛列多对他们的态度便越发恶劣，他无法忍受自己出钱雇佣的仆人三天两头请假朝外面跑，而不为自己服务。从1777年开始起，柯洛列多便不再允许里奥波德请假，这样老莫扎特就无法陪同儿子一起外出巡演。失去了父亲的照顾，这一年莫扎特只能在母亲的陪伴下前往法国演出。但要知道，沃尔夫冈从小就是在父亲的庇护下成长的，如今离开了里奥波德，年轻的莫扎特在众多挫折中免不了有些迷失自我。更令人心碎的是，在法国期间，他的母亲又不幸病逝！沃尔夫冈只能在第二年回到萨尔兹堡，并暂时失去了外出巡演的机会——母亲去世，而父亲又因不敢得罪主人而失去了自由，两个至亲都无法再陪同他远行。不久之后，沃尔夫冈只能继续开始在大主教手下工作——正式担任宫廷乐团的首席小提琴兼副指挥，当然还要作曲。莫扎特显然知道大主教不是个好对付的人，但因为生活所迫，万般无奈下他不得不这么去做。
　　
　　其实多年以来，柯洛列多一直不喜欢这个年轻人，用现在的话说，因为莫扎特“太有个性”。在刻板而传统的大主教眼中，其作品所体现出的许多“前卫”元素显得过于“叛逆”！而且柯洛列多心胸狭隘，他妒嫉莫扎特的名气和才能，因此仗势欺人，处处与莫扎特作对，动不动便使用谩骂和暴力，企图用自己的强权让对方屈服，从而让莫扎特能一心一意成为自己的奴仆。然而他却小看了沃尔夫冈，莫扎特并没有被大主教施加的压力所吓退，因为各个方面都在给予他勇气和力量，包括自己的家人、朋友以及乐迷；最重要的是，在他的脑海中有无穷无尽的优美韵律和感人乐思在不断地涌现出来，这些宝贵的财富无疑是莫扎特最坚强的精神支柱！而且即便柯洛列多对他的行动进行种种限制，但莫扎特依然凭借自己出色的才华以及个性魅力，扩大着自己的社交圈，并让自己的音乐创作更大程度地流传。
　　
　　但长期的压抑让莫扎特心中免不了郁闷之情，而且随着时间的推移，这种情绪越发积聚起来。这时候，年迈的父亲已经很少能给予他精神上的鼓励，而沃尔夫冈又急切地想冲出牢笼实现自己心中更多的创作理想。终于在1781年，25岁的莫扎特作出了他人生中最重要的一个决定——与大主教决裂！这个年轻的音乐家冒着忍受贫穷、挨饿甚至是死亡的威胁，为了自由和理想，向大主教柯洛列多递交了辞呈。这次他无比坚决和勇敢，任何人都无法奉劝他回心转意。这样做的结果是必然的——莫扎特获得自由之身，但接下去他必须面对残酷的现实和未知的命运。在那个时代，脱离宫廷对于一个音乐家而言，无疑是自寻灭亡，莫扎特的前辈海顿，便忍气吞声地终生受贵族们的指派进行创作。敢于和宫廷贵族翻脸的，莫扎特无疑是第一人！只是如何用自己的音乐换来面包，是摆在他面前最直接的问题！

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２５　概论莫扎特 中篇


　　
　　3、维也纳时期
　　
　　脱离了大主教的魔爪，莫扎特虽然获得了自由，但未来的生活又将何去何从？他准备到维也纳发展。选择这里作为自己未来的发展方向，莫扎特有多方面的考虑。原因之一则是因为他此前喜欢上的一个拥有甜美嗓音的女孩儿阿洛伊齐亚，当时也正定居在维也纳。1782年莫扎特开始了在这里的生活，没有了父母的照应，他必须学会自己照顾自己。由于没有了来自上层阶级施舍的固定薪水，作曲家不得不以自己加倍的辛劳来换取生活必备的物质条件，所以起初一段日子莫扎特生活的非常艰苦，每天早起开始曲目创作，下午教授音乐课程，晚上则是演出时间，演出完毕后回家继续创作到深夜。他近乎卖命的工作，支持他的是生活压力以及大脑中源源不绝的乐丝。
　　
　　沃尔夫冈心仪的姑娘阿洛伊齐亚的父亲韦伯是莫扎特早年结识的朋友，如今同在一个城市的他俩可以经常见面了，当然莫扎特更愿意见到的其实是阿洛伊齐亚。韦伯看到这位年轻才俊如今的窘迫境遇，也心生同情，便邀请他前去自己家中居住，以便给予更多生活上的照顾。莫扎特当然是求之不得，爽快地答应下来，在韦伯那儿他重新找到了家庭的温暖。这时候莫扎特一直挂念着的阿洛伊齐亚已经是小有名气的歌剧女高音演员，并嫁给了一位宫廷艺术家，所以沃尔夫冈逐渐把目标转向了韦伯的小女儿，也就是阿洛伊齐亚的妹妹——康斯坦兹。两人朝夕相处下很快相爱，莫扎特不顾父亲的反对，在1782年8月4日这天和恋人举行了婚礼。
　　
　　新婚是令人感到幸福和愉快的，这让沃尔夫冈的生活重新充满了希望和阳光，其音乐创作事业也终于获得了转机。莫扎特在钢琴作品方面的创作风格进一步成熟，技巧达到了全新的高度。与此同时，维也纳民族剧院的建成给了这位音乐天才以大展才华的机遇——莫扎特受剧院之约创作的歌剧《后宫诱逃》获得极大的成功，也为他本人带来了极高的声誉。这时候的莫扎特和他的音乐作品重新开始受到人们的重视！
　　
　　令人感到尴尬的是，这仅仅只能稍稍改善作曲家的生活境遇，莫扎特潦倒的状态依然没有本质的变化，这就是当时欧洲社会的残酷性——作为艺人你一旦失去宗教、贵族或是皇帝的支持，即便在民间生根发芽，但依旧很难开花结果。对那个时代的作曲家而言，最好的出路莫过于成为奥地利皇帝约瑟夫二世的宫廷音乐家，但莫扎特却没有太多的机会，因为他和皇族的关系一向比较疏远，而那些现任的宫廷音乐家们则大多妒嫉莫扎特，唯恐这个才华横溢的家伙一旦得宠自己便可能无立足之地。非但根本不可能有人在皇帝面前推荐莫扎特，某些心理阴暗者甚至采用种种不光彩的伎俩阻止莫扎特进入宫廷音乐圈，并试图把他逼疯。这些丑陋心灵的代表是一个名叫萨列里的宫廷乐师，他与莫扎特之间的斗争和摩擦颇富戏剧性，甚至于当代人在电影《莫扎特传（Amadeus）》中也对这段历史加以了浓墨重彩般的描写。
　　
　　这一时期的莫扎特一直把歌剧当作自己最高的创作理想，一方面是因为自己喜欢这种表现形式，另一方面也期待着红火的演出能为自己带来相对丰厚的收入。1783年，对于莫扎特而言最重要的事件是结识了洛伦佐·达·蓬塔——一位出色的歌剧脚本作家。两个在各自领域都堪称天才的年轻人，在创作理念上的一致以及对相互才能的认可和仰慕促成了几部重要作品的产生。
　　
　　1786年二人初次合作的《费加罗的婚礼》一炮打响！这部具有极高艺术价值的作品是莫扎特一生创作中的高峰，为此他得到了观众们热情的掌声和评论界一致的赞誉。但辉煌的盛况却依然没有为他带来如斗的金钱和财富，作曲家竭尽心血的创作，换来的只是数量极其有限的报酬。在布拉格，《费加罗的婚礼》让大众疯狂，而莫扎特换来的仅仅是一纸新歌剧的委约书以及来年作品问世之后将在布拉格举行首演的承诺。此时的莫扎特过得依然贫瘠，不得不继续为生存而忧愁。这一年他还计划以自己的名义举行一场音乐会，但只有一个贵族愿意为之支付赞助费用。不得已，莫扎特只能靠出卖手稿、到处借债并举家搬迁到条件更差的住所，以期解决经济危机。也正是在这一年，老父亲里奥波德离世，更为沃尔夫冈的生活增添了一丝阴影。
　　
　　但是莫扎特并没有因此而消沉，继续着自己的工作。第二年，也就是1787年，他和达·蓬塔合作的第二部作品《唐璜》问世。根据前一年的约定，这部作品在布拉格举行了首演，并再次获得成功，莫扎特受到了前所未有的拥戴和英雄般的欢呼。但与此对应的讽刺现实则是，打这之后莫扎特的生活状况更是每况愈下。1788年，虽然莫扎特终于凭借着自己的实力和声誉获得了皇帝约瑟夫二世赐予的宫廷乐师职位，但薪水却并不高，而且宫廷对这位天才作曲家的要求也仅仅是创作一些专供娱乐的舞曲而已。种种这些，都令莫扎特感到很不快活。这年夏天又一个坏消息袭击了身体原本已经非常脆弱的莫扎特——六个月大的小女儿突然夭折，在无比悲伤的情怀下，作曲家创作了一生最后的三部交响曲。
　　
　　随后的两三年，莫扎特的生活一直处于挣扎状态，这种状态也在侵蚀着他的创作状态。为了生计他不得不为社交聚会和宫廷舞会写下了许多毫无内涵可言的应景流行作品，但创作这些所得的收入，对莫扎特的生活开支而言，依然只是杯水车薪。当时莫扎特自己曾写过一句很无奈的话——“我的天，即使是最凶狠的敌人我也不愿意让他处在我这样的情况”。
　　
　　
　　
　　看似光彩照人的莫扎特晚年困苦不堪
　　
　　4、最后的岁月
　　
　　到了1791年，他已经濒临破产了！也就是在这一年，一系列看似可以改变作曲家状况的创作委约却无形中加速了莫扎特早逝。先是年初受维也纳剧院的委托开始创作新歌剧《魔笛》；到7月份时一位神秘人士登门拜访，送来了一封匿名信，请求莫扎特创作一部《安魂曲》，作曲家可以自己决定报酬的数目，但绝对不能询问到底是谁委托创作这部作品，看在钱的份上，莫扎特也应允了；9月份波西米亚即将登基的新国王里奥波德二世派人命令莫扎特创作一部意大利悲剧《狄多的仁慈》，碍于皇权他也没有拒绝的可能。三部委约接踵而来，即便如莫扎特这般天才的作曲家，依然感到了无穷的压力，这时候他虚弱的身体也多少局限了他的创作精力。
　　
　　三部作品中，以《狄多的仁慈》创作规模和难度最小，莫扎特便携着妻子和一位得意的学生赶往布拉格。在学生的协助下，短短十多天就完成了创作，但期间的辛劳和苦闷也是可想而知的。演出之后，观众反应冷淡，以彻底失败告终，再次打击了莫扎特已经脆弱无比的心。他来不及从失望中走出来，又迅速赶回维也纳，因为还有《魔笛》在等着他。车轮战式的创作在继续着，也在持续考验他虚弱的身体。
　　
　　令人欣慰的是，1791年9月30日，这部歌剧终于首演成功。但莫扎特依然无法得到片刻的休息，还有那部神秘的《安魂曲》在等着他。虽然已经近乎绝望，虽然已经身心俱疲，但他依然在坚持着。或许是一种无形的宿命，莫扎特最终没能完成自己最后的这部作品。11月末作曲家卧床不起，12月5日告别人世，走完了他人生短短36年的历程！《安魂曲》成为了莫扎特自己为自己创作的葬歌，学生居斯麦耶尔根据老师留下的草稿，并遵循莫扎特的创作风格，补完了整部作品。
　　
　　莫扎特走得很落破，葬礼举行的非常潦草，只有少数几个挚友和学生赶来参加。而且莫扎特只能和大多数穷人一起被埋入贫民墓地，更令人感到遗憾的是，他的遗体和其他十多具尸体被混杂在一起葬在一个没有墓碑的坟茔中。据说多年以后，莫扎特的尸骨被取出，单独葬入了一个墓穴。但对于这具遗体是否属于莫扎特本人，目前还是一个谜，好在前不久国外一则新闻说，即将通过现代的DNA测试技术来辨别虚实。
　　
　　
　　
　　传闻中的莫扎特遗骨
　　
　　但相信许多人和我的感觉一样，尸骨是否属于莫扎特本人已经毫无意义了，因为他为我们留下了如此众多优美动听的旋律，他会永远活在这个世界上。而以上这些，也这就是莫扎特，一个神童、一个天才、一个英雄人物同时也是悲剧人物的一生。篇幅所限，我们只能将其一生中最重要的人生事件和发展轨迹介绍给大家，在今后的系列文章中，我们将会结合莫扎特在不同时期的音乐创作，再行细说。

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２６　概论莫扎特 下篇





　　二、天才个性
　　
　　莫扎特的作曲才能举世公认，人们往往用一种神化的眼光去看待他。没错，在艺术上莫扎特是神，但在现实中他依旧是一个普通人，有着自己的个性和缺点。但因为他的杰出成就，人们便更愿意看到他身上纯真、善良、正直的一面，许多传记和电影也力图把莫扎特塑造成一个无比聪颖、个性完善的艺术家。但实际上并非如此，莫扎特身上也有许多弊病和缺点，这些问题与其创作生涯也有着密切关联。有人说艺术家的大脑往往都有些悲剧性的神经质，莫扎特并没有散发出过多的悲剧色彩，但相反某些时候的玩世不恭、恃才傲物乃至恶作剧心态，让他也不断遭受着考验；成年之后的他虽然始终对生活充满信心，但好发脾气、反复无常、性情冲动，并且时而慵懒、放纵。
　　
　　不过有些个性弊端对莫扎特而言，并不一定会影响他的成就，就算有负面影响也往往比较轻微。他一生写下众多的音乐作品，但成年后的莫扎特有些时候居然会被周围的人认为是一个比较懒惰的家伙。因为对于创作，他往往要到演出、排练前的最后一刻才会把音符谱写到纸上，幸而他有一挥而就的神奇能力，甚至整个过程中不需要停下来回忆、思考。其实，莫扎特通常在无所事事或者看似闲暇的状态时，已经将一部作品构思出来，但却直到最后才会动笔。如果他觉得连动笔记录的必要都没有，莫扎特甚至会在音乐会上将空白的谱子放在钢琴的谱架上，完全凭借自己非凡的记忆将乐曲演奏出来。哦，或许也只有像莫扎特这样的天才才会在如此慵懒的状态下，依旧硕果累累。
　　
　　莫扎特喜欢搞恶作剧，这一个性充分体现在他的某些创作中。譬如他曾为一位淳朴厚道的圆号演奏家题写过好几首圆号协奏曲。其中独奏部分对演奏家的要求非常之高，莫扎特明明知道这位圆号手的水平并不高超，却故意在曲目中加入一些对技巧要求非常严格的段落，以期捉弄、为难这位圆号手。虽然创作本意有点挖苦别人的意思，但这几首圆号协奏曲却因此而显得与众不同、别具风韵。人们知道了这段背景后，在同情那位圆号演奏家的同时肯定不会去埋怨莫扎特，因为他为我们带来了天籁。
　　
　　又如编号为K.522的小夜曲——《音乐玩笑》，这部怪异的作品其实是莫扎特为纪念其父里奥波德而特别创作的。里奥波德一生都喜欢对同时代那些创作能力平庸的同行们发表尖酸刻薄的评论，他曾要求莫扎特用音乐的形式把这种嘲笑表现出来。在父亲去世后，莫扎特为敬一份孝心从而创作了这部《音乐玩笑》。作品充满着不和谐，听上去甚至有些杂乱无章，实际上莫扎特正是用这种特殊的手法描绘出一个充满着喋喋不休和虚情假意的闲聊的场景，以映射讽刺那些无聊和庸俗的音乐同行们。曲目中那份即兴、随意而调侃的风格，无疑是莫扎特所独有的。也只有这位不拘小节、充满着叛逆精神的年轻人能写出如此意味的古典作品。
　　
　　可惜在莫扎特生命的最后几年，窘迫的生活状态让作曲家的道德防线彻底崩溃。由于经济艰难，他时常借酒浇愁，并有传闻说他与女歌剧演员厮混。这种种放荡行为，加速了他原本虚弱身体的衰败，从这个意义上讲，他的英年早逝并非“天妒英才”，而是自己个性的弱点加速了自己生命的完结。
　　
　　
　　
　　三、创作全貌
　　
　　莫扎特一生的创作可谓丰富多彩，不仅仅表现在数量上，更表现在题材的多样性上。在协奏曲领域，他几乎为所有当时可用的西洋乐器谱写过作品，6首小提琴协奏曲、27首钢琴协奏曲作为两个杰出的整体，被认为再无人能突破其价值，其中不少中晚期作品更可列入最伟大作品的行列。4首圆号协奏曲虽然算不上是莫扎特最杰出的创作，但却是历史上为数不多能被留传下来且广受欢迎的圆号与乐队作品。除此之外，莫扎特还为单簧管、双簧管、巴松（低音管）、长笛、竖琴创作过协奏曲，几乎每一部都获得成功，其中尤其以作曲家去世前不久创作的《A大调单簧管协奏曲》最为感人至深。可以说，莫扎特是西方音乐史上发掘乐器音色特点最全面的作曲家。
　　
　　莫扎特的交响曲一共有40多部，其中大多数创作于少年和青年时期，整体艺术价值不如他自己的钢琴协奏曲，但晚期作品依然堪称交响曲历史上的精品。其中以第35号“哈夫纳”、第36号“林兹”、第38号“布拉格”、第39号、第40号以及第41号“朱比特”这六首最为著名，早期作品中则以第25号最显功力。同时，莫扎特的小夜曲、嬉游曲也是其创作生涯中非常重要的组成部分。小夜曲中以第6号K.239、第9号K.320以及G大调的K.525最受听众们的欢迎；编号K.136-K.138的三部嬉游曲则在同类题材中最常被演奏和录制。
　　
　　在室内乐方面，莫扎特的创作同样巍为壮观。他总共作有17部钢琴奏鸣曲、30多部小提琴奏鸣曲、20余部弦乐四重奏、6部弦乐五重奏、6首钢琴三重奏、4部长笛四重奏以及其他不胜枚举的小品。声乐作品方面则以诸多优秀的弥撒曲为代表，以最后那部的《安魂曲》作为杰出成就的体现。歌剧更是莫扎特一生创作的重头，其中《后宫诱逃》、《费加罗的婚礼》是较早期的优秀代表，此后的《唐璜》、《女人心》、《魔笛》则象征着一个又一个新的高峰。
　　
　　莫扎特一生的创作多达六百多部，后人按照创作时间的先后顺序编写了详细的作品目录。目前公认并通用的目录是路德维希·克舍尔在1862年编成的，这个目录包含了莫扎特的绝大多数音乐创作，每部作品都被赋予一个“克舍尔编号”，以“K”或者“KV”为前缀，譬如著名的《g小调第40号交响曲》的“克舍尔编号”就是“K.550”或者“KV.550”。不过克舍尔编写的目录也存在许多错误和纰漏，后人在不断地对其进行修正和补充。最新的第六版是由盖格林、魏因曼和西韦尔斯在1964年整理编辑的，标号为“K6”。正因如此我们才会发现，同一部莫扎特的作品或许会有两个不同的编号，譬如著名的《G大调第一长笛协奏曲》的KV编号为313，但K6编号则是285c。一般而言，在目前的大多数演出活动中以及唱片封套上都采用传统的“K”编号。
　　
　　四、艺术风格
　　
　　数量如此众多的创作自然拥有它们各自不同的格调，但莫扎特的创作有他自己整体的特色，其最为鲜明的一点在于两个字——“融合”。早年在欧洲各地的巡演，大大拓展了少年沃尔夫冈的视野，故乡奥地利、邻邦德国以及意大利的音乐风格对莫扎特的影响最为深刻，所以在他的创作中我们既能发现德奥传统古典风格中的严谨、优雅和质朴，又能感受到意大利音乐那华美而夸张的艺术效果。
　　
　　将莫扎特和同时期另一位杰出作曲家海顿的作品放在一起做对比，初听时我们会发现两者的艺术风格似乎如出一辙（毕竟他们是同时期、同地域的作曲家）；但随着欣赏的深入，莫扎特音乐中蕴藏着的独特灵感便会逐渐闪现出来。如果说海顿作品中那些令人忍俊不禁的创作亮点是一种长者式含蓄的幽默，那么莫扎特作品表现出的则是作曲家独特的俏皮和明快；而莫扎特个性中那种自由不羁的风格在老实本分的海顿身上也肯定找不到半点痕迹。所以听到后面，海顿与莫扎特的作品便很好区分——前者遵循传统、强调和谐与内敛，后者力图突破传统、更追求华美和浪漫。这里顺便提一下，海顿与莫扎特两人其实是非常要好的知己，在维也纳时海顿是为数不多能真心看重莫扎特才华并毫不嫉妒的同行，而莫扎特也敬重长者海顿的艺术创作，两人因此结成了忘年之交。
　　
　　人们谈起莫扎特的音乐，往往用“音乐世界里永远的阳光”来加以形容和赞美。确实，除了少数几部作品，譬如著名的《第40号交响曲》、《第20号钢琴协奏曲》有着一些忧郁、凝重的气息外，莫扎特大多数作品都透出明朗而灿烂的气质。了解过莫扎特的生平，我们就会发现这种乐观是何等令人钦佩的气质！作曲家的生活过得艰苦而贫困，甚至带有一些悲剧色彩，但莫扎特很少在自己的音乐中将灰暗生活带给自己的抑郁流露出来。他曾对自己的父亲说，即便自己的大脑中始终萦绕着死亡的阴影，他也不会把这种哀伤、绝望的气氛通过音乐传播给别人。莫扎特临终前不久写下的那部优美的《单簧管协奏曲》便是这句承诺最好的体现——作曲家仅仅在第二乐章显露出一些对尘世的留恋与不舍，首末两个乐章依旧充满着乐观向上的气息。而如果我们真正深入莫扎特的某些作品，甚至会发现不少乐章更具有“笑中含泪”的深层次内涵，这种意境也只有在莫扎特的作品中才能得到最深切的感受。
　　
　　很多时候，我们无法解释莫扎特的才华及其成就，更无法解释他何以能在如此逆境下写出那般优美清澈的旋律，所以人们宁愿相信，他是上帝派遣到人间的音乐天使。莫扎特的音乐是一件无与伦比的精美艺术品，但却并非高高在上、遥不可及，相反，它是平易近人、融入生活的——它既华丽又简单、既典雅又质朴、既明快又深刻，这些看似对立的两面性恰好说明了莫扎特音乐深厚的底蕴与内涵。对于入门听众而言，听莫扎特不必担心乏味和晦涩；对于拥有丰厚经验的爱乐者们而言，莫扎特又意味着历久弥新的听感享受和思想升华。在后面的文章中让我们一起深入莫扎特的作品，遨游这位天才作曲家的音乐世界！